PROGRAMA

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Programa del Encuentro de Estampa de América Latina y el Caribe 2018
Museo Nacional de la Estampa
Museo Nacional de Arte

21 de noviembre

MUSEO NACIONAL DE LA ESTAMPA

16:45 h     Registro

17:00-19:30 h     Panel A: Acervos, colecciones y difusión

 

Fondo Pérez Escamilla

Mtro. Víctor Rodríguez Rangel

MUNAL

Resumen de ponencia:

Propongo abordar la conformación de una colección, ahora amplia, de litografías del siglo XIX en el MUNAL, y cómo en mi calidad de especialista y curador de las colecciones del siglo XIX he mostrado y divulgado estas estampas en estudios, artículos y en las mismas exposiciones, ya sea temporales o como parte del conjunto de núcleos temáticos que conforman nuestro recorrido permanente del siglo XIX.

Semblanza:

VÍCTOR RODRÍGUEZ RANGEL es curador de todas las colecciones de arte del siglo XIX del Museo Nacional de Arte (INBA) desde 2013 y fue investigador y curador del Departamento de Estudio del Acervo en el mismo museo desde 2003. Ha sido comisario de préstamos y traslados de obras de los acervos del MUNAL y del INBA en México y el extranjero. Es profesor del arte mexicano del siglo XIX del Diplomado de Estudios Mexicanos del Centro de Enseñanza para Extranjeros (CEPE/UNAM). Cursó la maestría en historia del arte en la UNAM y es licenciado en historia por la misma universidad, al tiempo que curso la licenciatura en arqueología en la Escuela Nacional de Antropología e Historia (ENAH). Tiene conferencias sobre arte y arqueología del siglo XIX en Colombia, Uruguay, Chile y en diferentes partes de México, como el Palacio de Bellas Artes y el Palacio Nacional. Ha sido curador de múltiples exposiciones en MUNAL y en otras sedes de la capital y del país, muestras como “Hermenegildo Bustos. Una comunidad en efigies”, Félix Parra. Visionario entre siglos”, “El MODO de vivir la muerte”, “Seres alados. Ángeles y arcángeles en la colección MUNAL” “Territorio ideal. José María Velasco” y “De la piedra al barro. Gliptoteca, escultura mexicana siglos XIX y XX”. Actualmente prepara curatorialmente la versión de la exposición “Saturnino Herrán y otros modernistas” para el MUNAL, exposición que proviene del Museo de Aguascalientes como parte del centenario luctuoso de este pintor modernista mexicano en 2018.

Los grandes acervos vienen en empaques pequeños: Un acercamiento personal a la colección del Museo Nacional de la Estampa

Ana Carolina Abad López

MUNAE

Resumen de ponencia:

El Museo Nacional de la Estampa fue fundado en 1986 con la misión de coleccionar, preservar, investigar y defender el patrimonio inscrito en las disciplinas artísticas del grabado y la estampa. Conformada por la reunión de los acervos gráficos del Instituto Nacional de Bellas Artes y alimentada por donaciones institucionales y particulares, la colección del MUNAE cuenta con más de 12,000 obras de más de 1,300 artistas, nacionales y extranjeros, que datan del siglo XIX al XXI. En esta ponencia propongo entrelazar la historia de la formación de la colección del MUNAE y mi acercamiento personal y profesional a las obras y autores que la componen para, así, comprender las dificultades del estudio y difusión de una colección tan grande, explorar hasta qué grado la colección es una muestra representativa de la gráfica mexicana e internacional de los dos últimos siglos y examinar las posibles líneas de estudio que ella nos ofrece. El acercamiento, conocimiento y estudio de una colección tan vasta y variada no ha sido sencilla. Es una de las tareas que he llevado a cabo desde 2015, a través de diferentes proyectos: el diseño de una estrategia de difusión en redes sociales, en el marco del XXX aniversario del MUNAE; la colaboración con el proceso curatorial de exposiciones de revisión de la colección, y la generación de contenidos para la nueva página web del museo, perteneciente a la plataforma Museos de México, a cargo de la Agenda Digital de Cultura de la Secretaría de Cultura.

Semblanza:

Egresada de la licenciatura en Historia de la Facultad de Filosofía y Letras, UNAM. Su tesis lleva como título “La alimentación en el imperio romano tardío a través del Edicto de precios máximos de Diocleciano (301 d.C.)”. Su principal línea de investigación es la historia de la comida y las cocinas en la Roma antigua y en la Nueva España. Entre 2010 y 2013 fue investigadora en la Coordinación Nacional de Museos y Exposiciones del Instituto Nacional de Antropología e Historia. Ahí, participó en los proyectos de creación de nuevos museos como el Museo Maya de Cancún, el Museo de Sitio de Tecoaque, Tlaxcala, y el Museo Comunitario de Ayutla de los Libres; así como en los proyectos de reestructuración del Museo Nacional de las Culturas, el Museo Regional de Michoacán y el Museo Regional de Guanajuato “Alhóndiga de Granaditas”. Entre 2013 y 2015, fue asistente editorial en La Caja de Cerillos Ediciones y, entre 2014 y 2016, colaboró a distancia con el área editorial del Solomon R.Guggenheim Museum, en el marco de la exposición Under the Same Sun: Art from Latin America Today, organizada por Guggenheim UBS MAP Global Art Initiative. Desde octubre de 2015es Coordinadora de Proyectos en el Museo Nacional de la Estampa del Instituto Nacional de Bellas Artes.

22 de noviembre

MUSEO NACIONAL DE ARTE

10:00 h     Registro 

10:15-12:00 h     Panel B: Estampa como arma política

 

Rituales en colectivo como manifestaciones en resistencia: Grupo Suma

Dra. Ana María Torres Arroyo

IBERO

Resumen de la ponencia:

La presente ponencia aborda las estampas e impresos colectivos del grupo Suma como huellas de un pasado acabado pero al mismo tiempo como vestigios y montaje de algo que permanece como ruina dialéctica de la memoria. Desde esta perspectiva, se busca reconstruir las impresiones callejeras y la producción visual de Suma centrando la atención en los procesos experimentales, técnicos, conceptuales y colectivos; sus intervenciones transformaron la calle en un entramado vivo-­afectivo, así como en dispositivo de crítica institucional. Sus integrantes denunciaban las problemáticas político-­sociales que se vivían, conformando una resistencia colectiva, pública y visual a través de sus esténciles, sellos, impresiones gráficas, libros de artista, murales y performance. Propongo analizar una carpeta de sellos cuyas imágenes provienen de las fotografías tomadas durante una de las huelgas de hambre realizada por Rosario Ibarra de Piedra en 1978, como una forma de protesta por la desaparición de jóvenes estudiantes, entre ellos su hijo, Jesús Piedra Ibarra. El objetivo es reconstruir este acto histórico de protesta a través de un estudio de fuentes y documentos y de un análisis de la noción de imagen dialéctica de Walter Benjamin; me interesa ver cómo estas impresiones se convierten en arma política y en documentos de memoria que interpelan nuestro presente.

Semblanza:

Es doctora en Historia del Arte por la Universidad Nacional Autónoma de México. Pertenece al Sistema Nacional de Investigadores. Es especialista en intervenciones artísticas públicas y en las dinámicas estético-­políticas del siglo XX y XXl mexicano. El interés de sus investigaciones se centra en Estudios críticos sobre Memoria cultural y visual, en generar nuevas narrativas historiográficas así como el análisis de las imágenes en la elaboración de identidades políticas, sociales y culturales. Ha escrito libros sobre pintores mexicanos y diversos artículos sobre muralismo, políticas culturales, arte abstracto y exposiciones internacionales. Actualmente se encuentra desarrollando un proyecto de divulgación sobre el Muralismo en el Centro Histórico de la ciudad de México; es coordinadora del Grupo de Estudios sobre Arte Público-­México (GEAP-­Latinoamérica) y participa en la Red de Estudios Visuales Latinoamericanos (REVLAT).

Encabronados y compañía

Mtro. Jorge Fanuvy Núñez Aguilera

UNAM

Resumen de ponencia:

Homenaje a la tradición de la estampa mexicana relacionada con la denuncia gráfica a partir de la caricatura política del XIX; a los artistas grabadores del TGP y a su discurso estético enraizado en el realismo social; a las labores de algunos grupos surgidos del movimiento del 68, que se encargaron de transmitir, mediante la gráfica, una imagen de poder haciendo evidente los malestares de la nación. “ENCABRONADOS y compañía” es un compendio de grabados que, mediante el humor, pretende situar, en un contexto actual, al hartazgo del mexicano que anhela otra realidad, manifestando una negación a la tradicional de la imagen internacionalizada del mexicano festivo, conforme, pintoresco y bonachón, cuyas costumbres fueron descritas por algunos litógrafos del siglo XIX, quienes se encargaron de proyectar el costumbrismo a través de una realidad que celebraba y vivía su “Independencia”, motivado por la necesidad de construir una identidad nacional por medio de personajes que han quedado inmortalizados y que han sido motivo de inspiración, pero que, al presentarlos en un nuevo contexto como el presente, carecen de ese sentido original. La presente investigación-producción gráfica está definida por la actualidad, la imagen del mexicano regocijado en la mentira, la mediocridad y el confort que permanecen vigentes. LOS ENCABRONADOS son personajes de distintos estratos sociales y edades que protagonizan el deseo utópico de ser reconocidos como una sociedad unida que, manifestando odio, nos dejan ver el dolor de la resignación, surgida de situaciones cotidianas vinculadas con la imposición y la injusticia.

Semblanza:

Maestro en Artes Visuales, orientación Gráfica (ENAP UNAM), Licenciado en Artes Visuales con Mención Honorífica (ENAP UNAM).Actualmente es Académico de la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM plantel Taxco impartiendo clases de Dibujo y Grabado a nivel Licenciatura en Artes Visuales y Arte y Diseño, es Coordinador de Difusión Cultural dentro del mismo plantel. Ha sido profesor de dibujo y grabado en la Facultad de Diseño, Arte y Arquitectura de la Universidad Autónoma del Estado de Tlaxcala, desde agosto del 2010 inicia su proyecto como Director del taller de grabado: -GRÁFICA CHAPARRANCHO- en el 2013, el taller cambia de sede en Taxco, Gro, en donde actualmente permanece como un espacio (casa taller) de producción y de formación gráfica independiente. Ha presentado ocho exposiciones individuales en el país: Pátzcuaro, Mich., CDMX, Taxco de Alarcón, Gro. y Hermosillo, Son. En el 2017 fue beneficiario del Programa de Estímulos a la Creación y Desarrollo Artístico, en el Estado de Guerrero (PECDAG). En el 2009 Recibió Mención Honorífica en el Décimo Segundo Concurso Nacional de Estampa “Interpretación Moderna del Ingenioso Hidalgo Don Quijote de la Mancha”. En el 2004 fue seleccionado del programa “Artes por todas partes” a cargo de la Secretaria de Cultura de Gobierno de la Ciudad de México. Ha participado en más de cincuenta exposiciones colectivas en México y el extranjero, y su obra ha sido seleccionada en diversos concursos y bienales tanto a nivel nacional, como internacional en Finlandia, Egipto, Polonia, y Serbia.

Con tinta y sello sobre los sobrevivientes (Laberintos de hijas e hijos de víctimas de Narcotráfico en Ciudad Juárez)

Mtro. Luis Tomás Contreras Guerrero

UACJ

Resumen de ponencia:

La ponencia gira en torno a la serie de estampas (de autoría propia) denominada CRETA, metáfora del Laberinto de Creta o La inocencia del minotauro. En esta, los laberintos representados en las estampas reproducen perímetros urbanos donde se perpetuaron hechos violentos vinculados al narcotráfico, en el contexto de Guerra Contra el Narcotráfico en Ciudad Juárez. Hechos perpetuados contiguos a centros escolares. Y en los que a cada una de las víctimas o acaecidos, le sobreviven descendencia. La obra se concentra en la investigación de contextos contemporáneos en México, ubicando principalmente la violencia y el narcotráfico en relación con su afectación directa e indirecta de grupos vulnerables y territorios específicos en conflicto. La alusión o alegoría mitológica es el mero pretexto para establecer un abordaje crítico sobre hechos reales que se aprecian propios de un mito. La construcción de objetos artísticos (estampas) recupera el proceso de elaboración manual de sellos, mediante la creación de estos a base de borradores de miga y materiales escolares, junto con almohadillas de tinta recuperadas de las mismas escuelas. Este ejercicio artístico busca visibilizar que en el tratamiento de los infantes existe un ejercicio por clasificar/etiquetar como futuros perpetuadores del crimen. Se recupera el uso del sello, por un lado, como herramienta al servicio de la idea de autorizar. Por otro lado, también bajo la idea de impresión que se impone sobre una personalidad. CRETA, se construye en el estudio y trato de la noticia que juega un singular papel desde el medio impreso, en el desarrollo de algunos de los vocabularios formales y conceptuales sobre el que se erige el acercamiento a la Guerra Contra el Narcotráfico en Ciudad Juárez, desde el tabloide de nota roja el “PM”.

Semblanza:

Profesor (PMT) del Departamento de Arte, en la Universidad Autónoma de Ciudad Juárez, desde el 2006. Coordinador del Programa de Licenciatura en Artes Visuales, desde 2013. Maestría en Comunicación (perfil investigación en comunicación y cultura contemporánea) por la Universidad Autónoma de Chihuahua y Licenciado en Artes Visuales por la Universidad Autónoma de Ciudad Juárez. Como artista ha participado en “Encuentros en la plástica” (Museo de Arte de Ciudad Juárez-INBA, curaduría de Cesario Tarín, 2014), “Salón ACME, Estado invitado: Chihuahua” (Ciudad de México, curaduría de Alejandro ‘Luperca’ Morales, 2015), “A ras de suelo” (SUE – Sala Universitaria de Exposiciones, UACJ, curaduría de Alpha Escobedo, 2015), Transnational Struggles: Intersectionalities Across Borders, Luxe Gallery, San Diego, CA, curaduría de Leticia Gómez Franco (2017). Entre sus proyectos curatoriales se encuentran “Expresiones del Desierto” (Museo de Arqueología de El Chamizal, Ciudad Juárez, 2016), “Re+ jugar en lo inmenso” (CCF, Fotogalería-Centro Cultural de las Fronteras, Ciudad Juárez, 2017), “SIETE, Estudios y Procesos Creativos” (CCF, Sala de Exposiciones-Centro Cultural de las Fronteras, Ciudad Juárez, 2017). Algunas exhibiciones 2015 – A ras de suelo. SUE – Sala Universitaria de Exposiciones, UACJ, Cd. Juárez, Chih. Méx. – Fotografía, Instalación y Estampa. (Curaduría: Alpha Escobedo) 2017 – Transnational Struggles: Intersectionalities Across Borders. Luxe Gallery, San Diego, CA. – Fotografía. (Curaduría: Leticia Gómez Franco) 2016 – Salón ACME No. 4. Ciudad de México, Méx. – Arte objeto. 2015 – Salón ACME No. 3, Estado invitado: Chihuahua. Ciudad de México, Méx. – Escultura, Fotografía e Instalación. (Curaduría: Alejandro ¨Luperca¨ Morales) 2014 – Encuentros en la plástica. Museo de Arte de Ciudad Juárez-INBA, Cd. Juárez, Chih. Méx. – Pintura. (Curaduría: Cesario Tarín)

Brigadas de producción gráfica en San Fernando 14

Mtro. Ricardo Morales López

ENPEG “La Esmeralda”, ENCRyM “Manuel del Castillo Negrete”

Resumen de la ponencia:

Intento determinar los procesos tecnológicos, la ruta de producción y cuáles fueron los impresos hechos entre agosto y octubre de 1968 en la Escuela Nacional de Pintura y
Escultura “La Esmeralda”, a raíz del Movimiento estudiantil; la
ponencia se complementará con el volante–cartel del domingo 29 de diciembre de
1968 firmado, entre otros, por René Capistrán Garza. Respecto al análisis de
las técnicas de manufactura, los ejemplares han sido observados de manera
directa, hago revisiones hemerográficas y bibliográficas, entrevistas… Gracias a una de éstas, a propósito, hasta hace poco entendí las razones por las cuales esos impresos, elaborados por alrededor de veinticinco alumnos encabezados por “los norteños y los fuereños”, se divulgaron sin la más mínima intención de dar a
conocer en dónde o quiénes las habían tirado. Finalmente, la investigación se
enriquecerá –mejor, resinificará– cuando haya interpretado los elementos
tecno–formales e intuido los latentes procesos de creatividad de los impresos.

Semblanza:

Artista visual con estudios
de Licenciatura en Artes Visuales y Maestría en Artes Visuales, orientación
pintura (ENAP–DEP –actual FAD–, UNAM). Ha participado en siete exposiciones
individuales, dos Open Studio y sido seleccionado en más de cuarenta
exhibiciones nacionales e internacionales. Su trayectoria profesional ha sido
reconocida con residencias artísticas en el extranjero –un par de veces por el
FONCA–, menciones honoríficas, obras gráficas en acervos de museos
internacionales o nacionales y considerado artista invitado. Integra a su
práctica artística profesional gráfica y pictórica, la docencia, el
asesoramiento para identificar técnicas de impresión y la investigación
documental; los hallazgos de esta última los ha divulgado en documentales,
publicaciones, Foros Académicos o Congresos nacionales e internacionales. Es
docente en la ENPEG desde el jueves 16 de febrero de 1989; en la ENCRyM, a
partir de febrero de 1993.

Apología de la lucha y la tinta

Israel Salcedo

Artista e investigador independiente 

Resumen de ponencia:

La ponencia pretende dar a conocer el trabajo del colectivo oaxaqueño Urtarte (Unión de Trabajadores del arte) y su trabajo en el taller del mismo colectivo, que lleva el nombre de Taller Artístico Comunitario. Lo que me parece pertinente es la aportación a las artes gráficas y al arte contemporáneo oaxaqueño, pues el principal trabajo de Urtarte es hacer gráfica en gran formato (244cm x 122cm) con un contenido político y gran aplicación del grabado en relieve. Dicho colectivo tiene sus inicios en el movimiento del 2006 en Oaxaca (APPO) donde diversos artistas apoyaron la lucha popular por medio de pegatinas en las calles de la capital oaxaqueña. Urtarte es la consecuencia del uso del grabado para hacer conciencia en la sociedad local, así como nacional e internacional. El colectivo se caracteriza por capacitar a jóvenes de diversos puntos del estado para darles formación en las artes plásticas (pintura, dibujo, stencil y grabado) de forma gratuita en temporada vacacional. Oaxaca es un punto neurálgico en las artes gráficas en México, logrando ser visible a nivel internacional. El colectivo está formado por alrededor de 10 artistas y diversos colaboradores. El trabajo de este ha cruzado fronteras, logrando enviar grabados en gran formato a diversas calles de diferentes países, también ha consolidado enlaces con diversos colectivos nacionales con la misma línea de trabajo. El Taller Artístico comunitario tiene su sede en la capital Oaxaqueña con trabajo arduo y de calidad

Contenido de semblanza:

Sus estudios artísticos los realizó en el Taller de Producción Serigrafía Taller El Ojo Peludo 2018; Clínica de Especialización en Arte Contemporáneo La Curtiduría, Oaxaca 2017-2018; -Taller de Producción Litográfica TAGA Oaxaca, 2018; Taller de Producción Gráfica con el Maestro impresor Antonio Álvarez, Oaxaca 2018; Taller de Producción Gráfica Centro de Las Artes San Agustín, Oaxaca 2017 y Licenciatura en Artes Plásticas en la Escuela de Bellas Artes de Toluca, 2011-2016. Ha participado en diversas exposiciones individuales y colectivas, destacando la obra Seleccionada para la exhibición itinerante Viva La Revolución Gráfica, Francia- Bélgica; Proyecto Me muevo, luego existo, seleccionado por la Curtiduría CEACO 2018; La obra seleccionada para el Concurso Nacional de Mini Print Oaxaca 2017 y la residencia de producción gráfica en el Taller Artístico Comunitario Oaxaca 2017-2018.

12:00-14:00 h     Panel C: Enseñanza de la gráfica

 

Experiencias en los proyectos editoriales en la Licenciatura en Artes Visuales en la Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo, FPBA UMSNH. 2016-2018 (Morelia, Michoacán, México)

Dra. Ioulia Akhmadeeva

Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo
Facultad Popular de Bellas Artes (FPBA, UMSNH)

Resumen de ponencia:

En la ponencia se hablará de los proyectos editoriales colectivos realizados con la participación de estudiantes del 7 y 8 semestres de la Facultad Popular de Bellas Artes en la asignaturas Proyecto Gráfico I y II durante los años 2016-2018, tales como la carpeta gráfica “Palabras al aire” en linograbado y acuarela con el tema albur mexicano (2016-2017) y el proyecto “Trafico Grafico” de las intervenciones en un espacio urbano y el fanzine colectivo como su registro. Se analizarán y compartirán los antecedentes, los procesos, la problemática, el impacto y su resonancia. El tema de desarrollar y concluir un proyecto gráfico colectivo con un grupo estudiantes tiene muchas dificultades, desde diferentes capacidades conceptuales y técnicas de cada integrante hasta las limitaciones de infraestructura dentro de los talleres. Ambos proyectos fueron realizados en marco del programa educativo en la universidad pública con los estudiantes inscritos en la asignatura. Siendo los proyectos autogestivos, la aportación monetaria fue necesaria para llevarlos a cabo. Las dinámicas y los resultados fueron muy diferentes. En la presentación se analizarán los detalles y experiencias de cada uno mostrando también cada proyecto en físico.

Semblanza

Krasnodar, Rusia, 1971, naturalizada mexicana. Desde 2008 es Doctora en Ciencias Pedagógicas en el área de educación artística a nivel superior (Universidad Nacional Pedagógica de Moscú). Desde 1996 es Maestra en Artes Plásticas con la Especialidad de Arte Gráfico (Mención Honorífica) de la Academia Nacional Rusa de Artes Plásticas, el Instituto “V. I. Surikov” en Moscú. Desarrolla su carrera en México desde 1994. Ha impartido diversos cursos de dibujo y estampa en la licenciatura y posgrado, ponencias, conferencias sobre artes gráficas, libro de artista en los posgrados en México y en el extranjero. Desde el año 2001 es profesora e investigadora en la Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo (Morelia, Michoacán, México). Es gestora, organizadora y coordinadora de varios proyectos interuniversitarios, coloquios y seminarios de investigación con participación internacional relacionados con la gráfica, libro – arte y ediciones artísticas. Forma parte del Núcleo Académico Básico (NAB) del Doctorado Interinstitucional en Arte y Cultura (DIAC). Tiene varios premios, menciones y selecciones en los certámenes y competencias nacionales e internacionales en gráfica y libros de artista. Su obra se encuentra en las colecciones y bibliotecas públicas y privadas de varios países: en Special Collection of Stanford University Libraries (EEUU), University New Mexico Library (EEUU), North, Carolina State University Libraries (NCSU, EEUU), Museo Nacional de Estampa MUNAE (México), Taiwán Museum of Art, Taichung (China) entre otros. Fue becaria Programa de Estímulo a la Creación y al Desarrollo Artístico de Michoacán, PECDAM (CONACULTA) 2013-2014, para Creadores con trayectoria, con el proyecto de arte-objeto”. Desde y para la memoria”. En su producción artística cuenta con 111 exposiciones colectivas y doce exposiciones individuales.

 

Comunidad y comunalidad grafica en la educación no formal, FARO indios verdes

Lic. Lesly Yobany Mendoza Mendoza

FARO Indios Verdes

Semblanza:

Lesly Yobanny cursó la licenciatura en Artes Visuales en la ENAP, participó en los talleres de gráfica de José Guadalupe Posadaa cargo de Pedro Asencio y el taller 129 de pintura a cargo de Herlinda Sánchez, participa como oyente en los talleres de litografía de Raúl Cabello, huecograbado de María Eugenia Figueroa y dibujo de José Miguel González Casanova. En el año 2000 junto a varios compañeros y compañeras de la ENAP forman el colectivo Estuko de influencias marxistas. En el 2001 entra al seminario de libros de artista y a la par ingresa como profesor en las clases de Dibujo l y ll, así como en la clase de Educación Visual l y ll. En 2005 ingresa a la maestría de Artes Visuales en la Especialidad de pintura y crea junto con un compañero y una compañera el Colectivo Internacional Cordyceps de gráfica radical, propaganda y acción. En 2006 ingresa a la Fábrica de Artes y Oficios en Cuautepec y funda el taller de Gráfica Urbana el Huizache, en la Sierra de Guadalupe al norte de la ciudad, impartiéndolo de manera voluntaria desde mayo de 2007. En 2009 funda junto con Alejandro Frías Nigmo el taller de Gráfica Social en la Fábrica de Artes y Oficios Indios Verdes. En ese mismo año los integrantes de colectivo Cordycepsson invitados a participar en la Cooperativa Gráfica de Artistas Radicales Justseeds con sede en Portland Oregón, Justseeds. Se conforma por una red descentralizada de 30 artistas comprometidos y comprometidas con la elaboración de gráfica y diseños que reflejan una posición política, medioambiental-social y radical. Con integrantes trabajando en EE.UU, Canadá y México, Justseeds opera también como una organización de personas creativas, con puntos de vista y métodos de trabajo únicos. Justseeds cree en el poder transformativo de la expresión personal integrada en una acción colectiva y que cuenta con más de 110 exposiciones. Su trabajo ha estado expuesto en diferentes ciudades y lugares del mundo mundial. En 2013 ingresa como docente en la Universidad Autónoma de la Ciudad de México (UACM) campus Cuautepec, impartiendo la clase de Arte Popular lll y lV. En 2014 es nombrado Director de la Fábrica de Artes y Oficios, (FARO) Indios Verdes, donde además facilita el taller de Grabado. En 2017 es invitado por la Organización de las Naciones Unidas Para la Educación, la Ciencia y la Cultura (por sus siglas en Inglés, UNESCO) a la Primera Bienal de la Pequeña Estampa de América Latina y el Caribe en la Universidad Central de Ecuador. 2017 es seleccionado por la organización Signal Firepara realizar una estancia artística en el Paso Texas.

 

El taller, práctica, enseñanza y producción…

Roxana Cámara, Mtro. Carlos Torralba, Roberto González y Mtro. Sergio Domínguez

Universidad Veracruzana

Resumen de la ponencia:

Universidad Veracruzana fundó en 1962 el Taller de Artes Plásticas (hoy Facultad de Artes Plásticas), bajo la dirección del pintor Mario Orozco Rivera. En 1965 se encarga de la dirección el grabador Alberto Beltrán, colaborando con él entre otros el escultor Kiyoshi Takahashi y los grabadores Edelmira Losilla y Fernando Vilchis, generando así, un equipo diverso gracias al pensamiento del maestro Beltrán, quien proponía que el conocimiento del arte fuera impartido por gente del arte, habilitando a los artistas de los conocimientos necesarios tanto en la pedagogía como en la historia. Partiendo de este pensamiento el taller transitó del espacio libre a un centro de formación académico, gestión y producción artística, con diferentes planes y programas de estudio impartidos por profesores-artistas. A finales de los años setentas, es que se fortalece la profesionalización en la ya Facultad de Artes, impulsada entre otros por Carlos Jurado en el área de gráfica/fotografía y Rafael Villar en la escultura. Acompañados en ese momento por Javier Pucheta, Salvador Lorenzana, Fernando Meza y Per Anderson, en el área de la gráfica, se generó un movimiento que hasta el día de hoy representa una de las etapas más significativas de la facultad en la investigación, enseñanza, producción y difusión de las artes visuales, dentro y fuera del país. Actualmente, la estructura académica de la Facultad de Artes Plásticas integra tres licenciaturas y una especialidad en Estudios Cinematográficos, los planes y programas siguen tomando al Taller como una base para la formación integral y profesional de la enseñanza de las artes. En la Licenciatura en Artes Visuales se ubica el Taller de Grabado, que junto a los talleres de Litografía, de Serigrafía y de Gráfica Experimental, recupera la historia y producción colaborativa en la gráfica, ofreciendo alternativas a los egresados de esta licenciatura al integrar aspectos formales, teóricos y digitales, que les permitan desarrollar una práctica profesional en el ámbito del arte contemporáneo.

Semblanza:

Mtro. Carlos Fco. Torralba Ibarra

Nació en Independencia, Martínez de la Torre, Veracruz, en 1960. Es Licenciado en Artes Plásticas por la Universidad Veracruzana e hizo estudios de Maestría en la división de Estudios de Posgrado en la Escuela Nacional de Artes Plásticas (San Carlos).Se especializa en Diseño Gráfico y Grabado en metal, así como en las técnicas gráficas de Serigrafía y Litografía. Realizó el diseño maestro de la revista arte y literatura Graffiti, así como el del suplemento literario Pie a tierra de la Gaceta de la Universidad Veracruzana y la colección Biblioteca del Universitario. Ha diseñado portadas de libros, catálogos, carteles y realizado ediciones litográficas en el taller del maestro Leo Acosta, con quien hizo estudios, lo mismo que de libro-objeto con el maestro Omar Gasca. Obra y comentarios sobre ella se han publicado en Graffiti, Confluencias, Colombre, Urna, Fotoreflex, Oído Sordo, Trivium Plus one, entre otras revistas y medios. Ha realizado estancias académicas y artísticas en el Taller Experimental de Gráfica, en La Habana, Cuba; Flatbed Press, Austin, Texas; Coronado Studio, Austin, Texas. Fue profesor invitado de grabado en la Universidad de Houston Clear Lake, Houston, TX. Ha expuesto individual y colectivamente en Bélgica, Alemania, Japón, Cuba, Estados Unidos, Canadá. Así, como en Baja California, Cd. de México, Tabasco, Puebla, Veracruz y Xalapa. Es miembro fundador de la Galería AP de la Facultad de Artes Plásticas U.V. y colaborador en diferentes revistas de arte y suplementos culturales, así como promotor de exposiciones de arte. A partir de 1986 y hasta la fecha es maestro del Taller de Grabado. Colaborador del Cuerpo Académico Procesos Experimentales Tecnoartísticos. De 2008 a 2017 fue Director de la Facultad de Artes Plásticas de la Universidad Veracruzana. Es evaluador de Programas Educativos de Educación Superior de CIEES en el área de Artes y Humanidades, así también, evaluador de CAESA en el área de Artes. Actualmente, es profesor de tiempo completo en la Licenciatura en Artes Visuales, desarrollando las experiencias educativas disciplinares de Taller Experimental, Taller de Arte Contemporáneo, Realización de Proyectos Artísticos, Diseño y Montaje de Exposiciones y Curaduría.

Roxana Cámara Vázquez

Nació en Córdoba, Veracruz (1976). Todos sus estudios los realizó en la ciudad de Xalapa, Veracruz. Es egresada de la Facultad de Artes Plásticas de la Universidad Veracruzana en el Área de Gráfica con la especialidad en Grabado, realizando un posgrado en Diseño Editorial y diplomados para formación docente y disciplinar. Su formación dentro de las artes plásticas ha sido integral y multidisciplinaria, por lo que sus participaciones dentro de ésta abarcan la realización de diversas actividades como la museografía, el diseño de carteles, revistas y portadas, la ilustración de revistas, asesoría en el área gráfica y de pre-prensa digital, así como, la realización de obra artística y exposiciones en distintas galerías nacionales e internacionales. Actualmente es académica de la Facultad de Artes Plásticas de la Universidad Veracruzana, donde realiza actividades de docencia, producción, gestión y coordinación de actividades dentro del área de gráfica y artes visuales. Su interés se dirige al diseño editorial, el libro de artista y la gráfica. Colaboradora en el Cuerpo Académico Procesos Experimentales Tecnoartísticos de la Facultad de Artes Plásticas. Es Coordinadora de Tutorías del Programa Educativo de Artes Visuales. Encargada del Centro de Cómputo de la Facultad de Artes Plásticas. Premios y reconocimientos: Acreedora de la Beca del Programa de Estímulos a la Creación y Desarrollo Artístico de Veracruz. IVEC. CONACULTA. Edición 14ª (2009-2010). Tutora artística del área de Gráfica de Becarios en la categoría de Jóvenes Creadores del PECDA del Instituto Veracruzano de Cultura. Participante en el proyecto EVAs | Espacio Virtual de Artistas Veracruzanas. Proyecto cultural de la Dra. Gladys Villegas. Participante de carteles sobre Perspectiva de Género. Participante de Autopsia Colectiva. Carteles en Estado de Exposición, emisiones 2016, 2018

Roberto González Lozano

Es egresado de la Facultad de Artes Plásticas de la Universidad Veracruzana en el 2005. Ha participado en exposiciones individuales en México, USA y Canadá. Exposiciones colectivas en México, USA, Canadá, Japón, Croacia, Serbia entre otros. Su obra se ha publicado en revistas y catálogos como: “First International Printmaking Triennial of ULUS” Belgrado, Serbia, 2011. Frutipoemas de los Dulces Patos. Antología poética en celebración de los 25 años de la Cooperativa Pascual México 2010. La Palabra y el Hombre, Universidad Veracruzana. Ilustraciones de portada para la Colección de la Biblioteca del Universitario de la Universidad Veracruzana, 2009. Bayousphere The Literary Arts Magazine Volume 29, 2005, for the University of Houston Clear Lake, Houston, Texas, USA. Entre otras. Ha obtenido premios y menciones honoríficas como: First Place Certificate in “Illustration Portafolio For Magazines” The Columbia Scholastic Press Association, Given at the Columbia University in the City of New York, in its Gold Circle Awards for 2006. 3rd Place, “Literary Magazine Illustration”, (TIPA) Texas Intercollegiate Press Association, San Antonio, Texas, USA. 2006. Certificate of Merit “Serie la Milpa” en Arts magazine for the Bayou sphere, University of Houston Clear Lake. 2005. Mención Honorífica. 1ª Bienal de Artes Visuales de Mérida, Yucatán, México. 2003. Su obra se encuentra en colecciones como: Association of Fine Artists of Serbia “First International Printmaking Triennial of ULUS” 2011. Tokyo National University of Fine Arts and Music, Faculty of Fine Arts. Tokyo, Japón 2005. Dan Dubrowski. Austin, Houston TX. USA. 2004. University of Houston Clear Lake, Houston, Texas, USA. 2003. “Collection of the Contemporary Graphic Art Museum” 1ª Bienal de Gráfica Contemporánea, Split, Croacia. 2003. Realizó una estancia, Semestre Otoño 2004. University of Houston Clear Lake Houston, Texas, USA. Actualmente es Coordinador de la Galería AP de la Facultad de Artes Plásticas de la Universidad Veracruzana desde el 2010.

Sergio Domínguez Aguilar

Egresado de la Facultad de Artes Plásticas de la Universidad Veracruzana en la opción de Pintura y Maestro en Desarrollo Educativo Especializado en Educación Artística por la Universidad Pedagógica Nacional en convenio con el Centro Nacional de las Artes. Su producción se ha desarrollado en el dibujo y en la gráfica principalmente, exponiendo en distintos espacios nacionales e internacionales, así como en el campo de la investigación educativa. Autor del manual de litografía Agua Sucia. Memoria de producción litográfica, editada por la Universidad de Ciencias y Artes de Chiapas, donde fue docente de 2001 a 2011. Autor participante del libro La Educación Superior en Artes. Reflexiones, consideraciones y propuestas, editado por la Facultad de Artes Plásticas UV y en el libro La formación artística. Reflexiones y conversaciones para abonar un poco al cultivo de las inquietudes compilado por Omar Gasca y editado por el Instituto Veracruzano de Cultura. Colaborador en el libro El futuro deseable del Arte de Omar Gasca, editado por la Universidad Veracruzana. Actualmente es investigador en el Instituto de Artes Plásticas UV y docente en Facultad de Artes Plásticas.

Electrografía: Electrografía: notas para una definición acerca de la gráfica actual

Víctor Mora

Escuela de Artes Plásticas y Audiovisuales ARPA-BUAP

Resumen de la ponencia:

El aprendizaje y el desarrollo del grabado en las escuelas de arte se ha mantenido en la técnica tradicional, pero también está a la par del grabado contemporáneo, lo que ha puesto en tela de juicio los procedimientos técnicos tradicionales que no han dejado de producirse, pues los adelantos tecnológicos no han logrado sustituir esa infinita influencia de la ortodoxia. De esta manera, el grabado se ha visto inmerso en la experimentación, generando así la hibridación de sus procesos técnicos y formulando una nueva imagen desde sus mismas herramientas y soportes. Así, el término gráfica actual, se amplió de tal manera que en los eventos y exposiciones los llamados grabadores compartían espacio con diseñadores y comunicadores gráficos; prácticamente el término de grabador se sustituyó por el de artista gráfico o artista visual. Entonces, la gráfica actual no pretende desaparecer al grabado, al contrario, lo reconoce y revalora otorgándole su lugar porque la confluencia de nuevos métodos en los lenguajes gráficos, tales como la Electrografía, no serían posibles sin una maduración tecnológica y conceptual.

Semblanza:

Actualmente, Víctor Mora es Profesor Investigador de tiempo completo en la Escuela de Artes Plásticas y Visuales de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla.

Es también Profesor de la Facultad de Artes de la Universidad Autónoma del Estado Morelos. Es Doctor en Imagen, Arte Cultura y Sociedad por la UAEM y Maestro en Artes Visuales por la Academia de San Carlos ENAP/UNAM. Ha recibido varios premios, becas y distinciones como el Primer Premio EXATEC en Monterrey NL y el Premio del Jardín Escultórico Bicentenario Alameda de Guadalajara, Jalisco. Obtuvo mención honorifica en la V Bienal Alfredo Zalce y fue seleccionado en la XII Bienal Rufino Tamayo y en la Trienal del Cairo en Egipto. Ha sido becado por el Gobierno del Estado de Jalisco, del Distrito Federal y por la UNAM. Es Miembro del Sistema Nacional de Creadores edición 2013-2015. Ha presentado más de 15 exposiciones individuales y colectivas en México, Guatemala, Colombia, Japón, Egipto y Rumania y desde 1993 ha participado en salones y bienales en América, Europa y Oriente. En 2017 fue invitado a participar en la exposición Arte sin fronteras por la paz en el Museo de Arte Contemporáneo de Neiva en Huila Colombia y en 2016 fue seleccionado en la Bienal Latinoamericana del Bronx en Nueva York. Su obra se encuentra en importantes colecciones como la del Museo de Arte Moderno de Cartagena en Colombia, y en México en el Antiguo Museo del Arzobispado de la SHCP, en el Museo Nacional de la Estampa y en la Colección pueblo de Jalisco en el Museo Instituto Cultural Cabañas de Guadalajara. Su trabajo ha sido publicado en catálogos, libros y revistas especializados y también ha escrito varios artículos sobre temas de gráfica y arte en general.

 

Ruta Gráfica MX

Mtra. Luisa Estrada y Lic. Guillem Font

Colectivo Ruta Gráfica MX

Resumen de la ponencia:

La ponencia girará en torno a la gestión y el desarrollo de un proyecto de gráfica ambulante que involucra al público infantil, la enseñanza del grabado con temáticas como la identidad y el espacio habitado. Presentaremos el trabajo realizado durante dos años con el apoyo del Programa de Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales del FONCA, que promueve el ejercicio colectivo de la gráfica, la interdisciplina, el gran formato, la enseñanza del grabado entre otros. Ruta Gráfica MX es la unión de dos proyectos, por un lado el Taller de Gráfica el Tendedero es un taller enfocado en la gráfica que busca experimentar y ampliar los conceptos tradicionales del grabado y la estampa, a través de diferentes proyectos, tanto en la creación individual como colectiva; como los proyectos Plaga Grafica y Gráfica Pública, que buscan acercar a la comunidad la producción gráfica. Por otro lado Think Big Project (Barcelona) es un colectivo de ilustradores que se propone llevar el dibujo más allá de lo convencional, tanto el formato -de grandes dimensiones- como los soportes, las herramientas y los espacios de trabajo, con la voluntad de acercar el dibujo a los espacios público. Se presentarán dos proyectos hasta ahora realizados por el colectivo: el primero llamado Ruta Gráfica MX consistió en dar talleres de grabado para niños, por tres meses, en 7 estados del sureste mexicano donde cada niño hacía un autorretrato, formando así un mural gráfico conformado por más de 350 autorretratos. Y el segundo titulado El Monstruo Urbano que consistió en la creación de un grabado monumental de 6×4 metros, conformado por 10 grabados de gran formato realizados por grupos de niños de distintas delegaciones del Distrito Federal.

Semblanza:

Guillem Font i Carbó, nacido en Barcelona el 09/09/1986, es egresado en Bellas Artes en la especialidad de imagen por la Universidad de Barcelona (2011-2015), siendo becario de movilidad internacional en la UNAM (ENAP-FAD) México DF, por un semestre (2014). También es titulado en ilustración por la Escuela Superior de Arte y Diseño “Llotja” de Barcelona (2008-2010) y técnico superior en realización Audiovisual y Espectáculos, especialización en Multimedia Interactiva en la Escuela Superior “EMAV”. Ha trabajado como co-director creativo en la escuela de narrativa el “LABORATORI DE LLETRES” (2014-2015). También ha sido co-director artístico y técnico audiovisual en el estudio “Panspermia S.L” del artista Marcel·lí Antúnez Roca (fundador de la compañía “La Fura dels Baus”). Co-creador del colectivo de arte urbano “THINK BIG PROJECT” con el que realiza intervenciones en museos, grandes festivals de música y festivales de artes escénicas tanto en territorio nacional como internacional: Museo Picasso, CCCB, ROTOTOM Sunsplash festival, Festival Bioritmo, Festival Iboga, “Feria Mundial del Teatro” del CENART (México DF), o el orfanato “Niños de Chuitinamit Luz” (Guatemala)… También trabaja como Ilustrador Freelance para editoriales españolas como PLANETA, BLOCD, GRUPO ZETA, LUNWERG… Ha realizado exposiciones de sus obras de forma colectiva e individual en distintos puntos de la Península Ibérica como la exposición colectiva del Festival “STRIPART” en la galería C.C Guinardó (2015 Barcelona), la exposición individual “L’INVISIBLE” en la galería MITTE (2014 Barcelona) o la exposición individual “BITAR” en la galería Casa Golferichs, (2011, Barcelona, España)

Luisa Estrada

María Luisa Estrada Sánchez (Luisa Estrada). Nace el 18 de julio de 1983 en México D.F. Estudió Artes Visuales ENAP-UNAM (2002-2008) Universidad Nacional de Colombia, (2005). Fundó el Taller de Gráfica “El Tendedero” (2008). Maestría en Artes Visuales, Academia de San Carlos (2009-12). Coordinadora Taller de Producción e Investigación Gráfica Carlos Olachea ENAPUNAM (2012-2014). Académica en la FAD-UNAM (2012-15). Becaria del FONCA Jóvenes Creadores 2013-2014 y del Programa a Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales 2016 Y 2018, Co-directora del Colectivo Ruta Gráfica MX. Ha tenido premios y reconocimientos tanto nacionales como internacionales, como el Premio de adquisición Japonice 2015. Tercer lugar en el Third International Salon 2015 of Association of Fine Art and Applied Artists Kraljevo, 3er. Lugar en la Bienal Shinsaburo Takeda 2014. Mención honorífica en la IX Bienal Alfredo Zalce 2014, en el Concurso 37 y 39 de la Revista Punto de Partida. Mención honorífica en el “2006 Iowa Biennial Exhibition of Contemporary Miniature Prints” Selección en el Premio Internacional de Arte Gráfico Carmen Arozena 2018, en el GUANLAN International Print Biennial a Colection of prints 2015 en China, en la Bienal Jesús Núñez, España 2014 y 2016. XXVIII Encuentro Nacional de Arte Joven, International Small Engraving Salon Carbunari 2006 (The Eighth Edition) Rumania, entre otros. Su obra se ha expuesto de manera colectiva e individual en varios estados de la república como Chihuahua, Monterrey, Baja California, Oaxaca, Aguascalientes, Guadalajara, Puebla, etc., así como en el extranjero, Serbia, EUA, Canadá, Polonia, Rumania, Eslovaquia, Viena, España, Argentina, Cuba, China, entre otros. Actualmente co-dirige el Colectivo Ruta Gráfica MX y trabaja en proyectos personales en torno a la gráfica.

 

15:15-16:45 h     Panel D: Filosofía y pensamiento en la imagen reproducible

 

La gráfica contemporánea como sistema complejo adaptativo

María del Carmen Razo Rodríguez

FAD-UNAM

Resumen de ponencia:

La ponencia aborda a partir del análisis, reflexión e interpretación cómo la Gráfica Contemporánea se ha convertido y es, un Sistema Complejo Adaptativo, en el que interfieren diversos conceptos y procesos propios de la Teoría de la Complejidad, los cuales por medio de analogías y metáforas se relaciona, también, estrechamente con el pensamiento filosófico de G. Deleuze. Desde un sentido entrópico, la gráfica, por sus actuales modos de creación y producción, se ha transformado en un híbrido con tránsitos que no pueden preverse, ni definirse propiamente, sus movimientos son constantes, se pliega y repliega en sus espacios de fases o procesos con una infinita complejidad, principalmente, por la mezcla de técnicas y la combinación con diversos lenguajes y tecnologías. En un modo ontológico, estos aspectos son inmanentes y trascendentes en ella y, actúan como atractores extraños que indican su capacidad de adaptación a su entorno en el que va distendiendo sus límites y, transformando la conceptualización de la misma; de igual manera, indican tanto la diversidad de los procesos creativos y los diferentes modos de ejecución de los artistas en la obra gráfica, como sus consecuencias e incidencias en el mundo como una disciplina artística. Dado que la Gráfica Compleja Adaptativa es la coevolución de una forma artística que emerge de la retroalimentación constante de los procesos, en consecuencia, es un espejo de toda la operación de plegamientos, entre lo simple y lo complejo, que se dan en ella y en sus relaciones culturales, sociales, tecnológicas y técnicas.

Semblanza:

Carmen Razo

Nace en la Ciudad de México en 1971. Es Mtra. en Artes Visuales en con orientación en Gráfica por la UNAM-FAD, 2006. Realizó estudios en dos licenciaturas, Comunicación Gráfica, 1994 y Artes Visuales, 1998, por la Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP-UNAM). Actualmente está en proceso de adquirir el grado de Doctora en Artes y Diseño por el Programa de Posgrado de la UNAM-FAD. Ha asistido a numerosos cursos de especialización en gestión, gráfica, teoría del arte y pedagogía. Actualmente se desarrolla como productor e investigador plástico y visual. Es una artista multidisciplinar y experimental independiente. Su obra aborda simultáneamente las temáticas de la Ciudad y la Teoría de la Complejidad; el argumento y semántica de su propuesta estética y plástica nace desde estos conceptos y su interés por las transformas matéricas y transustanciales de éstas. De forma individual ha expuesto su trabajo en más de 20 ocasiones, tanto en México, como en España. De manera colectiva ha expuesto su trabajo en más de 30 ocasiones, la mayoría de carácter internacional como en España, U.S.A., Colombia, Argentina, Francia, Canadá y Bélgica, así como en varios estados de la República Mexicana. Se ha desarrollado como diseñadora gráfica en diversos despachos de diseño gráfico. Ha colaborado como docente en instituciones públicas y privadas, a nivel medio superior y superior en las licenciaturas de Diseño Gráfico y Artes Visuales. Ha colaborado en varias publicaciones culturales de México. Su obra ya pertenece a colecciones públicas y privadas. Es cofundadora de Eje Gráfico Contemporáneo, organismo independiente de fomento a la gráfica contemporánea.

 Imagen material, imagen sensible. La teoría averroísta del espejo.

Ángel Octavio Álvarez Solís

IBERO

Resumen de la ponencia:

La presentación tiene el objetivo de discutir la teoría averroísta de la imagen en oposición a la teoría platónica. La teoría platónica de la imagen supone que los imago son entidades mentales sin un sustento material, esto ha condicionado a la filosofía de la imagen la cual tiene como punto no discutido una psicología de la percepción. En contraste, la teoría árabe parte de una epistemología distinta: la imagen es el medio en el cual transita la materia. No existe objeto ni sujeto de la imagen porque ésta última aparece como soporte. Por lo tanto, la ponencia reivindica esta tradición olvidada en la filosofía de la imagen contemporánea.

Semblanza

Profesor-investigador de tiempo completo del Departamento de Filosofía, Universidad Iberoamericana, Ciudad de México. Doctor en Filosofía Moral y Política por la Universidad Autónoma Metropolitana. Es miembro del Sistema Nacional de Investigadores, nivel 1. Entre sus publicaciones más recientes destacan los libros: La república de la melancolía. Política y subjetividad en el Barroco, La Cebra, Buenos Aires, 2015; Límites de la experiencia histórica. Ontología y epistemología de la Historia en Wilhem Dilthey, y está en proceso de edición Contra el melodrama. Diez figuraciones del archivo mexicano. Actualmente investiga sobre las relaciones entre ética, política y cosmética.

Desplegar: expandirse por medio de fragmentos

Nancy Viridiana Valdez Ramírez

FAD-UNAM

Resumen de la ponencia:

Este trabajo se presenta desde la visión del nuevo paradigma que se encuentra el investigador-creador en una de las particularidades de la gráfica como signo de reproducción: el original-múltiple como proceso y estrategia para la creación de imágenes. La estética y el impactante poder de la multiplicación nos hace enfrentamos a un visión poliédrica, donde el concepto de repetición que genera una vertiente sobre la praxis en el recurso de la reproductibilidad con el objetivo de crear estructuras complejas a partir de la reiteración de la imagen impresa, la
construcción de un todo desde un fragmento-patrón que se multiplica en un
espacio en conjunto. La serie como la suma de las diferencias a partir de un
análisis fenomenológico de la gráfica, nos llevan a reflexionar a otros campos
de actuación y problemas artísticos donde se amplían los parámetros para
valorar la obra gráfica desde una preocupación que explora caminos como un
reflejo de la sociedad contemporánea. La repetición como la transformación de
la imagen en términos constructivos de un nuevo pensamiento y ver, así como
analizar estos nuevos discursos de interpretación y/o lectura del pasado y
presente a su proyección al futuro. La gráfica tiende ser un siclo en ella
misma, el acto de estampar la matriz cubierta de tinta sobre papel es una
repetición que hemos encontrado a lo largo de sus comienzos, sin embargo, es
poco lo que se ha indagado y profundizado sobre esta misma reiteración de la
imagen y la repetición de la acción movimiento del proceso, es necesario
pensarlo en base a una evolución de siglos donde surgen varios cuestionamientos. ¿Qué es el original? ¿Qué es la repetición y la reproducción?
¿Qué potencialidades puede tener? dejando atrás la estampa exhibida como una
individualidad de aurea inmutable de obra de arte.

Semblanza:

Michoacán, 1991. En su formación académica es
Licenciada en Artes Visuales por la Facultad de Bellas Artes de la Universidad
Michoacana San Nicolás de Hidalgo (2014), pasante de la maestría en Artes
Visuales, especialidad en Gráfica de la UNAM (2018). Una estancia de
investigación en la Universidad Politécnica de Valencia, España 2017-2018. Y
Curso y taller de Colagrafía y Litografía en el Taller de Gráfica Experimental
de la Habana, Cuba. 2017. Su trabajo se desarrolla en las disciplinas de la
investigación en las artes, estampa, instalación, libro de artista e
ilustración. Cuenta con cuatro exposiciones individuales “Los mapas del cosmos”
presentada en el Museo de Arte Contemporáneo Alfredo Zalce, Antiguo Ex-Colegio Jesuita, (2015) (Michoacán) y Casa de la Cultura Plazuelas (Pénjamo,
Guanajuato) y “Tiempo Cristalino” Galería, Pórtico. Michoacán 2016.
Ha impartido cursos de libro de artista y estampa como “Acercamiento y creación
del libro intervenido” Museo de Arte Contemporáneo Alfredo Zalce, “El Cobre
como Matriz Calcográfico” en el taller, Mano gráfica, Tacámbaro (Michoacán),
“Colagrafía” Taller Bambú, Oaxaca. Premio único de adquisición en el “XVII
Encuentro Estatal de Pintura y Estampa Efraín Vargas” categoría de estampa
menores de 35 años, 2015 (Michoacán). Beca del Programa Estímulo y Creación al Desarrollo Artístico (PECDA) Michoacán 2014-2015 categoría de Jóvenes
Creadores. Beca de “Residencia por intercambio de trabajo” y de Beca de
“Aprendizaje y Perfeccionamiento en Litografía”, en el taller “La Ceiba
Gráfica”, 2014-2015 (Veracruz). Selección en la Primera Bienal Universitaria de
Arte y Diseño UNAM (2013) (Ciudad de México); Encuentro Estatal “Efraín Vargas” 2013 (Michoacán); “Ley de erradicación de la vida desatenta, 5 sedes” Pátzcuaro y Florida, 2014. Ha asistido a diversos talleres y seminarios, impartidos por Felipe Ehrenberg, Demián Flores, Coral Revueltas, Alejandro Pérez Cruz, Alex
Dorfsman. Cuenta con diversas exposiciones colectivas en la república, como en
los estados de Michoacán, Oaxaca, Guanajuato, Querétaro, Ciudad de México,
Zacatecas. E Internacionales en Florida, Inglaterra y Rusia.

MUSEO NACIONAL DE LA ESTAMPA

17:30-19:30 h     Panel E: Libros de artista

La hibridación en la producción actual de “libros de artista” en México a partir de los conceptos de Martha Hellión, Ulises Carrión y Raúl Renán.

Berenice Torres Almazán 

Resumen de ponencia:

En la actualidad la producción de “libros de artista” es recurrente dentro de las distintas disciplinas del arte, principalmente en las artes visuales.

En este tema México tiene una buena historia.

El concepto de libro de artista se genera en la época de las nuevas vanguardias artísticas del siglo XX, como son el Dadaísmo, el arte conceptual, y tiene que ver con el performance, el body art y el happening. En 1921, en Xalapa, Veracruz se forma el grupo del Estridentismo que tiene que ver con las publicaciones experimentales a partir de la multidisciplina. En los años 70 tenemos al precursor oficial de este género tan controvertido: Ulises Carrión. En esos mismos años el trabajo editorial alternativo de varios artistas mexicanos unos haciendo su trabajo en el extranjero como Martha Hellión y Felipe Ehremberg creando: Beau Geste Press y otros en la Ciudad de México como Yani Pecanins, Gabriel Macotela; con el Archivero, Raúl Renán con su editorial la Máquina Eléctrica, solo por mencionar algunos. Me interesa hacer un recuento de los antecedentes en México a partir de los años 70 en cuanto al tema de producción de libros de artista y recalcar las aportaciones de Martha Hellión, Ulises Carrión y Raúl Renán y el cómo sus conceptos manejados y estipulados en sus acciones, textos y producción y el cómo han contribuido e influyen en la producción actual dentro de este género llamado “libros de artista”. El laberíntico camino para llegar a su estructura, hechura y a una posible conceptualización del “libro”. Ejemplificando con una selección de artistas contemporáneos que parte de su producción la dedican a hacer libros.

Contenido de semblanza:

Berenice Torres Almazán, se desenvuelve entre el oficio del grabado, la disciplina de la gráfica, la producción de libros de artista y la investigación sobre el grabado y libros de artista en México. Además de trabajar como curadora, museógrafa y gestora cultural.

Ha recibido distinciones como el “Reconocimiento al Talento” otorgado por el programa del Museo Guggenheim (NY) “Aprendiendo a través del Arte”. También obtuvo el tercer lugar en el International Snow Sculpting Competition (Frankenmunth, Michigan), premio de adquisición en la categoría de estampa, en la XI Bienal Nacional Diego Rivera, la beca de “jóvenes creadores” del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, 1991 y 2001, así como la beca de “creadores con trayectoria”, 2005, en el estado de Michoacán. Menciones honoríficas en la I Bienal Internacional de Juguete Arte-Objeto, en el X Concurso de Grabado José Guadalupe Posada, en la V Bienal Alfredo Zalce. Su gráfica y libros han sido expuestos en distintas sedes tanto en el país como en el extranjero. Actualmente reside en Xico, Veracruz, donde en este año fundó Ediciones Oropéndola, espacio para la experimentación, investigación y producción de impresos a partir de las técnicas tradicionales del grabado y la multidisciplina.

Especies en peligro de extinción en México. Libros de artista

Dra. Filomena do Rosario Cardoso Grácio

Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo
Facultad Popular de Bellas Artes (FPBA, UMSNH)

Resumen de ponencia:

La ponencia tiene como propósito presentar los procesos metodológicos desplegados en la creación del proyecto Poéticas de una naturaleza amenazada en México. Libros de artista, el cual es una propuesta que ha sido concebida como una serie de libros de artista que abordan la situación que padecen algunas especies de fauna y flora en México, en peligro de extinción, así como las causas que lo provocan. La exploración de los elementos empleados en la creación de las obras, como las formas de los libros, las imágenes realizadas en diferentes técnicas –pintura, gráfica, fotografía, arte textil– y en alianza con textos en la mayoría de los casos –ya sean manuscritos o impresos–, sobre varios soportes, permiten la creación de nuevos horizontes experimentales en el arte. La creación de la obra manifiesta una reflexión sobre la investigación teórica del tema abordado: la gravedad en la disminución de la biodiversidad en un país considerado mega diverso (alberga una importante diversidad biológica en comparación con otros territorios) y la responsabilidad que esta circunstancia conlleva. El proyecto sigue desarrollándose, estando terminados 18 libros de artista, de los cuales la mayoría ya fueron exhibidos en exposiciones y se pueden apreciar en el catálogo Poéticas de una naturaleza amenazada. Libros de artista. La propuesta ha tenido el apoyo de la Coordinación de Investigación Científica de la Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo.

Contenido de semblanza:

Filomena do Rosario Cardoso Grácio nació en Lisboa, Portugal y vive en México desde 1981.Artista plástica que ha desarrollado su obra en el área de la pintura, gráfica, arte textil y libro de artista. Cuenta con catorce exposiciones individuales y más de sesenta colectivas. Ha expuesto en México, Francia, España, Holanda, Reino Unido, Estados Unidos y Nicaragua. Es profesora investigadora en la Facultad Popular de Bellas Artes perteneciente a la Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo, en Morelia, Michoacán. Estudió la Licenciatura en Artes Visuales, en la Universidad Autónoma de Nuevo León, Monterrey, México; la Maestría en ‘Producción Artística’ y el Doctorado en ‘Arte, Producción e Investigación’ en la Universidad Politécnica de Valencia, en Valencia, España, obteniendo Mención Cum Laude. Ha participado con ponencias y conferencias en diversos congresos nacionales e internacionales y cuenta con publicaciones relacionadas con el quehacer artístico en las Artes Visuales.

Coser, ensamblar y plegar. Proyecciones metafóricas de la vida a través del libro de artista.

Dra. Hortensia Mínguez García

UACJ

Resumen de ponencia:

Todo elemento inherente a la creación de un libro como espacio dialógico, desde su morfología, encuadernación, materiales, diseño tipográfico y reticular, estilo compositivo, lingüístico y espacial en general, nos predisponen frente al ejercicio de leer un texto, de interpretarlo. Esta interdependencia y relación simbiótica entre el diseño de los significados, el significante, la forma de construir los relatos y nuestra forma de comportarnos como lectores puede potencializarse si, además, recurrimos al manejo de proyecciones metafóricas que, indirectamente, abogan por la construcción de ciertas estructuras narrativas. La presente ponencia, versará precisamente, en la descripción de tres estructuras morfológicas que sobre pasan la estética tradicional del códice. Estructuras básicas empradas en la construcción de libros de artista que, suponen a nuestro modo de ver, tres formas metafóricas de entender la vida y al mundo indirectamente, a través del libro. Hablaremos entonces, de las relaciones metafóricas entre un libro tejido, (del tejer, del hilar y trenzar conocimiento); del ensamblado (del reunir, conectar ideas); al libro plegado (de doblar, desdoblar, replegar). Todo elemento inherente a la creación de un libro como espacio dialógico, desde su morfología, encuadernación, materiales, diseño tipográfico y reticular, estilo compositivo, lingüístico y espacial en general, nos predisponen frente al ejercicio de leer un texto, de interpretarlo. Esta interdependencia y relación simbiótica entre el diseño de los significados, el significante, la forma de construir los relatos y nuestra forma de comportarnos como lectores puede potencializarse si, además, recurrimos al manejo de proyecciones metafóricas que, indirectamente, abogan por la construcción de ciertas estructuras narrativas. La presente ponencia, versará precisamente, en la descripción de tres estructuras morfológicas que sobre pasan la estética tradicional del códice. Estructuras básicas empradas en la construcción de libros de artista que, suponen a nuestro modo de ver, tres formas metafóricas de entender la vida y al mundo indirectamente, a través del libro. Hablaremos entonces, de las relaciones metafóricas entre un libro tejido, (del tejer, del hilar y trenzar conocimiento); del ensamblado (del reunir, conectar ideas); al libro plegado (de doblar, desdoblar, replegar).

Contenido de semblanza:

Es Doctora Cum Laude en Bellas Artes en el área de Dibujo (2006), “Diplomada en Estudios Avanzados” (2004), “Especialista en “Grabado y Estampación” (2003) y Licenciada en Bellas Artes (1998-2003), por la Universidad Politécnica de Valencia, (España).
Distinciones y premios:

Miembro Sistema Nacional de Investigadores en México, (SNI-1) (2012-2015); Miembro Sistema Nacional de Evaluadores Ciencia y tecnología, acreditados por CONACYT (SINECYT), (2008-2011); Reconocimiento Perfil PROMEP (México, 2008-2011 renovado 2012-2015); Líder del CA Gráfica Contemporánea desde 2007.
Actualmente imparte docencia como PTC-1 en la Universidad Autónoma de Ciudad Juárez, (UACJ), en el Instituto de Arquitectura, Diseño y Arte, (IADA). Ha impartido clases en la Licenciatura de Artes Visuales y Diseño Gráfico, Maestría en Diseño Holístico y Maestría en Estudios y Procesos creativos en Arte y Diseño (MEPCAD). Como artista gráfica ha participado en más de 50 exposiciones en museos, universidades y galerías en España, México, Italia, Polonia, Taiwán y Venezuela. Por lo que respecta a su trabajo, éste ha sido difundido en más de 20 libros y 4 revistas tanto en oriente como en occidente. Fue miembro fundadora del Grupo Artístico Internacional MEETA desde 2003, agrupación en la que aún participa activamente a día de hoy.

 

Yerandee González Durán: apostando fuerte por el libro de artista

Lic. Barbara Beatriz Laffita Menocal

Facultad de Artes y Letras (FAYL). Universidad de La Habana (UH)

Resumen de ponencia:

La presente ponencia pretende acercarse a las estrategias implementadas por el artista de la plástica cubano Yerandee González Durán, quien desde hace varios años apuesta firmemente por el libro de artista como estrategia ideo-estética. De interés resulta también exponer cómo se inserta su producción en el ámbito de las artes plásticas de la última década en la Isla y más específicamente cómo dialoga con la de otros artífices que también se han decantado por el libro de artista como vehículo expresivo. Concierne aquí dilucidar cuáles son los elementos conceptuales y formales tomados de creadores que constituyen un referente a nivel internacional. Asimismo, determinar cómo los ha ido incorporando en pos de crear un discurso auténtico que le permita exponer sus inquietudes como artista y ente social; a la par que establecer las principales variantes e invariantes de sus “libros”. En el caso de una producción como la que nos ocupa, no puede renunciarse a identificar las estrategias implementadas por el artífice para llegar a la multisensorialidad que demanda este tipo de obra. Si bien se desea insertar esta ponencia en el marco de la producción, se considera pertinente, en el análisis de la labor creativa de González Durán, hacer referencia –siempre en relación con su obra, por supuesto– a otros ejes temáticos que serán debatidos en el evento y que irremediablemente permean la obra de cualquier artista: los canales de exhibición, el mercado y la investigación.

Semblanza:

Licenciada en Historia del Arte, con Título de Oro, (FAYL, UH, 2009). Profesora Asistente; imparte Arte Español y Arte Africano. Secretaria de la Asociación de Catalanistas de América Latina (ACAL) y Presidenta de la Cátedra de Cultura Catalana (UH). Actualmente trabaja en su investigación doctoral sobre el cineasta Flora Gomes (Guinea Bissau). Ha tutorado los Trabajos de Diploma: “Joaquín Sorolla en el Museo Nacional de Bellas Artes. Estudio comparativo de sus obras” (2012), “Réquiem romántico para una España difunta” (2015), “El paisaje del siglo XIX en la Sala de Arte Español del Museo Nacional de Bellas Artes” (2017) y “El cuerpo como herramienta discursiva del lenguaje visual en las performances de Manuel Mendive Hoyo” (2017). Ha presentado ponencias en distintos eventos, entre ellas destacan: “Fernando Tarazona” (I Congreso Internacional ACAL, Benemérita Universidad Autónoma de Puebla, 25-28 de agosto, 2015, México), “El mercado de arte de la pintura moderna catalana y valenciana coleccionada en La Habana” (II Taller Internacional “Cuba y Cataluña: encuentro de pueblos y culturas”, Cátedra de Cultura Catalana, noviembre 2011; en coautoría con Yalicel Gabeira Londres) y “Coleccionismo privado de pintura moderna catalana y valenciana en La Habana” (I Taller Internacional “Cuba y Cataluña: encuentro de pueblos y culturas”, Cátedra de Cultura Catalana en el Instituto Cubano de Investigación Cultural.

23 de noviembre

MUSEO NACIONAL DE ARTE

10:00 h     Registro

10:15-12:00 h    Panel F: Impresos en la cultura visual

 

Comercio y censura a una estampa napoleónica (Nueva España, 1799)

Mtro. Carlos Gustavo Mejía Chávez

Colegio de México

Resumen de ponencia:

La intención de este trabajo es la de exponer, a partir de un expediente inquisitorial del Archivo General de la Nación, el plausible inicio del comercio de estampas propagandísticas de Napoleón Bonaparte en Nueva España. En razón de sus actividades políticas y militares, Bonaparte comenzó a ser conocido en Europa gracias al despliegue de propaganda, distribuida por medio de gacetas, grabados, etc., en la que aparecía representado como un gran héroe que había logrado portentosas hazañas en el frente de batalla. El comercio y las relaciones que tenía en ese entonces España con la República francesa implicó el que dicha propaganda llegase a Nueva España en donde encontraría algunos sujetos interesados en las noticias de la nación francesa y de aquel importante personaje cuyo nombre comenzaba a ser debatido en las tertulias y charlas habituales. Sin embargo, a causa de las restricciones que el Tribunal inquisitorial ejercía sobre cualquier papel relacionado con la Revolución francesa, los inquisidores se encontraron en una postura ambigua: ¿debían censurarse las noticias y cualquier papel de uno de los generales aliados de la monarquía hispánica? ¿Cuál debía ser su modo de proceder?

Contenido de semblanza:

Maestro en Historia por El Colegio de México (2013-2016), con título y cédula. Licenciado en Historia por la Escuela Nacional de Antropología e Historia. (2007-2010) Con título y cédula. Sus líneas de investigación han sido Inquisición e independencia (siglo XIX); prensa y sociedad en México (siglos XIX-XX). Actualmente se encuentra realizando su tesis de doctorado en historia en el Centro de Estudios Históricos de El Colegio de México, bajo la dirección del Dr. Gabriel Torres Puga. Ganador de la beca-estancia de investigación en Casa de Velázquez, Madrid, España, durante el periodo enero-julio 2017. Fue becario del Centro de Estudios de Historia de México-CARSO durante la realización de su tesis de licenciatura, a la que le fue otorgada una mención honorifica (premio Luis González y González) por El Colegio de Michoacán en 2013. Ha participado como organizador, ponente y comentarista en varios coloquios nacionales e internacionales.

La extensión del tipo popular: de la pintura de castas a las litografías costumbristas

Mtra. María Elena Guzmán Badillo

Universidad Autónoma de Zacatecas

Resumen de la ponencia:

Los imaginarios sobre una cultura o determinada época han sido construcciones simbólicas que en el momento de su creación se buscó legitimarlas, así como lograr una convención de los significados entre los individuos y crear testigo de su existencia a través de soportes tangibles, uno de ellos las imágenes. Algunas contenían una gran carga de significación que se convirtieron posteriormente en signos del colectivo aunque existiera desde su creación un desfase con la realidad. Dos géneros pictóricos que recurren a la proyección de usos y costumbres a través de personajes y objetos esenciales del contexto fueron las pinturas de castas y las litografías costumbristas. Ambas proyectaron figuras que por sus características físicas, oficios y funciones productivas fueron elegidas como significantes de la sociedad novohispana y posteriormente de la decimonónica, la que los nombrará tipos populares. Son resultado de una extensión del signo visual de un género a otro, y es en las litografías costumbristas que ganaron protagonismo y se fijaron para simbolizar imaginarios, tanto para el extranjero como para el local, sobre una nación y que se significan hasta hoy en día.

Semblanza:

Maestra en Ciencias y Artes para el Diseño, en el área de Estética, Cultura y Semiótica del Diseño por la Universidad Autónoma Metropolitana, plantel Xochimilco (UAM-X), y licenciada en diseño gráfico por la universidad La Salle de la Ciudad de México. Actualmente estudiante del doctorado en Estudios Novohispanos de la Universidad Autónoma de Zacatecas (2016-2020). Complementan su formación diversos talleres y seminarios sobre las áreas de diseño, estética y semiótica. Con trece años de ejercicio profesional ha laborado en distintas ramas del diseño y ha impartido docencia en universidades privadas del estado de Zacatecas. Ha expuesto en el Primer coloquio de Estudiantes de Maestría en CYAD (junio 2014), en la Universidad de Vic en Barcelona, España (marzo 2014) y en el I Coloquio de investigaciones sobre mujeres y perspectiva de género de la Universidad Autónoma de Zacatecas (mayo 2015) con el tema “La proyección del imaginario sobre la mujer migrante en el diseño de los gobiernos de Zacatecas y Guanajuato (2010 – 2013)”. Recientemente con el tema “La construcción de imaginarios mexicanos en imágenes costumbristas del siglo XIX” en el Segundo Coloquio de Cultura Visual del Centro Universitario de Tonalá, Universidad de Guadalajara (mayo de 2018). Publicó artículo que se desprende de su tesis de maestría en Investigación y Diseño volumen II, del posgrado CYAD-X en el 2015 y formó parte del comité organizador del I Coloquio Internacional de doctorandos en estudios novohispanos en octubre 2017.

Posibilidades creativas de la tipografía en el libro-arte contemporáneo

Mtra. Sandra Ileana Cadena Flores

A lo largo de la historia, se han desarrollado infinidad de registros tanto gráficos como alfabéticos, enriquecidos con las características y tecnologías propias de cada época, además de los detalles de sus contenidos, obteniendo una diversidad inconmensurable de formas, temáticas y representaciones. Siendo una realidad que la tipografía ha sido una herramienta muy generosa que permite ser construida de múltiples maneras, incluso, brinda la oportunidad de poder modificarla en cuanto a su estructura, obteniendo diversas representaciones con el fin de generar una narración.

Los diferentes ejemplos que pretendemos exponer, son una menuda muestra de la evolución de la tipografía como elemento narrativo dentro del libro-arte tipográfico contemporáneo, que va desde el tratamiento de la letra en la época vanguardista mediante un manejo meramente estructural y compositivo en el libro-arte, los juegos dimensionales y la proyección en correspondencia con el contenido temático que se pretendía expresar, siendo punta de lanza para nuevas propuestas conceptuales, como las de Ulises Carrión o Johanna Drucker, por mencionar solo algunos ejemplos.

Y en concordancia con lo anterior, la nobleza de la tipografía en el transcurso del tiempo dentro del libro-arte ha presentado una evolución significativa, misma que podemos considerar como un elemento compositivo en una narración o desde otra óptica, ser una narración en sí misma, manteniendo la expresión como el objetivo principal del libro-arte, permitiéndonos en la actualidad interactuar y vivirlo tanto visual como físicamente.

Es en este sentido, que trataremos de dar a conocer las posibilidades artísticas que aluden al libro-arte tipográfico a través del tiempo.

Semblanza

Mtra. Sandra Ileana Cadena Flores. Docente-investigadora de la Universidad Autónoma de Ciudad Juárez y miembro del Cuerpo Académico Gráfica Contemporánea (CAC65-UACJ). Su formación académica se conforma de estudios de licenciatura en Diseño Gráfico y maestría en Diseño Holístico por la misma institución y actualmente es estudiante del Doctorado Interinstitucional en Arte y Cultura, DIAC, por la Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo, UMSNH.En su trayectoria académica a fungido como coordinadora general del Simposio Internacional de la Tipografía al Libro-arte desde el 2011 a la fecha, un evento bianual que se está transformando en itinerante. También ha colaborado en la organización y participación en diferentes seminarios, encuentros, exposiciones, ponencias y publicaciones conjuntas con instituciones nacionales e internacionales que favorecen la temática del libro-arte y la tipografía, gracias a las redes formalizadas, y otros convenios que se han logrado a través del CAGC con la Universidad Politécnica de Valencia UPV, University of Cheng Shiu of Taiwán, National University of Chiayi (Taiwán) y otras colaboraciones eventuales con la Universidad Autónoma de Chihuahua, Universidad de Kiesel (Polonia), Universidad de Barcelona y la Universidad de Vigo, principalmente. Así como publicaciones en capítulos de libros y revistas de reconocimiento internacional en México, Colombia, Argentina e Italia.

UACJ

 

12:00-13:00 h     Panel G: Impresos y feminismo

 

 LA MIRADA: Colección Feminista de Fanzines Latinoamericanxs

Rafael Morales Cendejas

UAL: University of the Arts London, Universidad de Guadalajara

Resumen de la ponencia:

Una de las cosas que nos llevó al feminismo fue el creciente poder y las redes internacionales de colaboraciónen las últimas décadas. Nuestra intención es hacer visibles algunas formas de abordar el tema. La mirada es el acto de ver y ser visto. Esta investigación reúne una Colección Feminista de Fanzines Latinoamericanxs con el objetivo de diversificar la manera de entender el movimiento, su investigación y perspectivas, su impacto social, su expresión y discusión grupal al abordar sus problemas en el movimiento del ‘Hazlo tu mismx’. Como Editorial Facsimile, creemos en la liberación, la colaboración y la diversificación de perspectivas. También creemos que hacer una colección de fanzines genera un significado más poderoso, desempeñando un papel como comunicador alternativo, proporcionando cierta portabilidad y comprensión de la cultura popular. También podemos proponer que el fanzine es una forma de comunicación en continua evolución. Lo que trata de comunicar, ya sea personal o político, está determinado por la manera en que está organizado y por lo que intenta decir. Para muchos creadores de fanzine, es una política de resistencia que se comunica visualmente a través de su lenguaje gráfico, que se ha convertido en parte integral, si no vital, del desarrollo de un discurso subcultural. El interés de producir fanzines ha aumentado en los últimos años. La razón principal es porque son el vehículo perfecto para transformar algo invisible a algo visible, abrazando el espíritu de una comunidad creyente del ‘hágalo usted mismo’.

Semblanza:

Rafael Morales Cendejas es un artista mexicano radicado en Londres que trabaja en artes del libro, estrategias culturales y diseño editorial. Desde 2012 ha investigado y reflexionado sobre las artes del libro asistiendo activamente a simposios, talleres, residencias y seminarios con reconocidos especialistas en México, Estados Unidos, Uruguay, Argentina, España y el Reino Unido. Su trabajo relacionado con la publicación como práctica artística ha sido seleccionado y expuesto colectivamente en encuentros, exposiciones, festivales de fanzine y ferias internacionales de libros de arte. Recientemente fue apoyado por la Universidad de Guadalajara para estudiar en UAL: Universidad de las Artes de Londres, donde está desarrollando el Centro Mexicano para las Artes del Libro. Rafael Morales Cendejas nace el 25 de junio de 1991 en Uruapan, Michoacán, México. Es licenciado en Diseño para la Comunicación Gráfica por la Universidad de Guadalajara. Es fundador de Editorial Facsimile, empresa mexicana que promueve y desarrolla proyectos editoriales de arte contemporáneo y diseño que involucran fotografía, ilustración, intertextualidad, colaboración, performance, instalación, financiamiento y gestión cultural.

El proceso creativo oriental y su aplicación gráfica en la representación de la experiencia femenina

Dra. Martha Patricia Medellín Martínez

UABC

Resumen de la ponencia:

La representación del cuerpo femenino en Occidente, está cargada de prejuicios históricos sobre el cuerpo femenino que se reproducen intertextualmente en las imágenes nuevas. Continuamente la historia del arte y el trabajo de las investigadoras feministas, nos recuerda la necesidad de autorrepresentación para superar los prejuicios de género. La investigación feminista apunta la necesidad de romper con la tradición heteronormativa de la representación femenina, a través del bricolage, el collage y cualquier medio que no exponga el cuerpo femenino como un objeto de deseo. Lo anterior señala una necesidad de creación de imágenes que evoquen la experiencia femenina en lugar de simplemente describir visualmente su forma, además de que indica la necesidad de construir la imagen fuera de la concepción convencional occidental para alejarse de la carga simbólica negativa presente en la tradición artística. El proceso creativo oriental, que se centra en la noción budista de vacío, supone una aproximación a los fenómenos, donde es más importante la evocación de la impresión de una experiencia vivencial, que permite una autodefinición del instante y de la percepción propia de la realidad, en lugar de la repetición de una convención impuesta por el pensamiento dominante. En respuesta a la necesidad de cambio de paradigma en la construcción de la imagen femenina, el uso de los monotipos y un proceso creativo como el oriental, centrado en la experiencia vivencial, emerge como la opción creativa para representar la experiencia de género y no la cristalización de identidades y prejuicios alrededor de las mujeres y sus cuerpos.

Semblanza:

Originaria del Estado de México, realiza sus estudios de licenciatura y maestría y doctorado en la Facultad de Artes y Diseño de la Universidad Nacional Autónoma de México. Actualmente es profesora investigadora de tiempo completo, miembro del Cuerpo Académico Imagen y Creación; es coordinadora de la Licenciatura en Artes Plásticas en la Facultad de Artes de la Universidad Autónoma de Baja California de Mexicali, donde Imparte asignaturas relativas al grabado y al dibujo. También cuenta con el reconocimiento del Perfil Deseable PRODEP. Ha participado en varias exposiciones colectivas dentro de la república mexicana, en lugares como el MUCA (CU), el FARO de Tláhuac, el Centro Cultural Ollin Yolliztli, la Sala de Arte de la UABC Mexicali y diversas estaciones del Sistema de Transporte Colectivo del Distrito Federal (METRO) entre otros, además de haber ganado el primer lugar en el séptimo Concurso Universitario de Arte Postal “Post Scriptum” categoría B (licenciatura y posgrado), en el marco del Décimo Tercer Festival Universitario de Día de Muertos, Mega ofrenda 2010 de la UNAM. También ha sido seleccionada en la I Bienal Universitaria de la Facultad de Artes y Diseño (Libro de Artista) y en la XXI Bienal Plástica de Baja California (Gráfica). Sobre su incursión dentro de la temática de género, fue miembro del colectivo La Ira del Silencio, y ha sido responsable en la organización del Foro Mujeres en el Arte (2017) y el Coloquio de Arte y Género (2018), que se llevaron a cabo en la Facultad de Artes de la UABC, Mexicali.

15:00-17:00 h       Panel H: Mujeres artistas de Latinoamérica

 

Una Estrategia de la gráfica múltiple “El incendio y las vísperas” de Graciela Sacco

Lic. Celia Marco del Pont

Facultad de Artes Universidad Nacional de Córdoba UNC, Argentina

Resumen de ponencia:

Una Estrategia de la gráfica múltiple “El incendio y las vísperas” de Graciela Sacco

Este breve ensayo apunta a reflexionar sobre ciertos elementos emergentes que deja avizorar la obra de la artista plástica y grabadora argentina Graciela Sacco, recientemente fallecida. Partiendo de un corpus del trabajo de Sacco, en especial de la imagen denominada “El incendio y las vísperas”, heliografía reproducida de múltiples formas y sobre distintos soportes, tomamos algunos aspectos que consideramos sustantivos, siguiendo a Michel Foucault en sus análisis sobre Manet. Se trata de la integración en la materialidad de la obra, del soporte, formando parte éste, de la construcción del significado. Esto aporta a la comprensión de la múltiple presentación de la misma imagen en distintos espacios expositivos. Por una parte, contextualizamos la obra durante su proceso de producción y posproducción, en referencia directa a los factores sociales y el momento histórico del acontecimiento que le dan vida y sentido.

Otro aspecto considerado en la ponencia es el de las fronteras, entre lo público y lo privado -la calle o el museo-, entre el ámbito institucional o la galería de arte privada y la utilización del espacio público, semi público, lo cerrado o lo abierto, como lugar de exhibición.

El desarrollo de estos temas conduce a un modo posible de comprender los contenidos y las estrategias de materialización y circulación de la obra de Graciela Sacco como un todo diverso y a su vez integrado

Contenido de semblanza:

Celia Marcó del Pont. Nace en Córdoba, Argentina, el 22 de octubre de 1963.

Es Licenciada en Grabado, Escuela de Artes de la Universidad Nacional de Córdoba y Profesora en Grabado y Dibujo por la Escuela Provincial de Bellas Artes Dr. Figueroa Alcorta. Especialista en Prácticas Artísticas Contemporáneas UNC. 2018. Se desempeña como Profesora Titular en la Cátedra Procesos de Producción y Análisis II Grabado, de la carrera de Licenciatura en Grabado de la Facultad de Artes, de la Universidad Nacional de Córdoba y en distintas cátedras en la Escuela Figueroa Alcorta UPC. Vicedecana de la Facultad de Arte y Diseño, Universidad Provincial de Córdoba 2015/16.Integra equipos de investigación, de la secretaría de ciencia y técnica de la nación. Participa en encuentros científicos, jornadas, talleres simposios como conferencista y disertante. Expone sus obras en muestras nacionales e internacionales, entre las que se destacan: 2016- 8° INTERNATIONAL PRINTMAKING BIENNIAL DOURO. Portugal.2016 -Seconda. Bienal de Arte Contemporáneo de Salerno. Italia.2014/15 1ª Bienal Sudamericana de Grabado, Museo Histórico Rio de Janeiro, Brasil2011- XXI Mini Print Internacional Cadaques, España. 2011 -Festival Internacional de la Imagen. “III Muestra Monográfica de Media Art”. Universidad de Caldas. Manizales, Colombia.

2008 -Fundación Guayasamín. “Cinco mujeres Homenajean a Osvaldo Guayasamín” La Habana, Cuba 2008- Festival Internacional de Tecnologías Digitales. Monitor Digital. Guadalajara, México. 2008 -Centro Universitario de Arte, Arquitectura y Diseño. Universidad de Guadalajara. “Territorios de Arte Digital”. Guadalajara, Departamento de Artes Visuales del Centro Universitario de Arte, Arquitectura y Diseño. México.

 

La ternura revolucionaria: las mujeres en la obra gráfica de Fany Rabel

Dra. Dina Comisarenco Mirkin

IBERO

Resumen de ponencia:

Aunque el trabajo de Fanny Rabel (1922-2008) en torno a los niños ha sido ampliamente reconocido, muchos otros fascinantes aspectos de su abundante y original producción artística no han recibido el reconocimiento crítico que merecen. En este trabajo me propongo comenzar a ahondar en el estudio de su original representación de las mujeres, particularmente en su obra gráfica producida durante su participación en el Taller de Gráfica Popular entre 1949 y 1961, antes del boom internacional del movimiento feminista, con el afán de entender cómo su propia experiencia personal como mujer artista, su agudo poder de observación de la realidad cotidiana y su convicción sobre poner su arte al servicio de las clases más desposeídas redundaron en la creación de una iconografía femenina muy personal.

Semblanza:

Dina Comisarenco Mirkin es historiadora del arte, doctora por la Universidad de Rutgers, New Jersey, Estados Unidos y Licenciada por la Universidad Nacional de Buenos Aires, Argentina. Es profesora investigadora en el Departamento de Arte de la Universidad Iberoamericana; miembro del Sistema Nacional de Investigadores de México (SNI); y fundadora y editora de Nierika. Revista de Estudios de Arte. En su trabajo de docencia, investigación y curaduría, Comisarenco se especializa en la historia y la historiografía del arte y del diseño mexicano del siglo XX, en la historia del muralismo, y en la producción plástica de mujeres artistas, temas que aborda con un enfoque interdisciplinario en el que combina la sociología del arte, el psicoanálisis, los estudios de género y la memoria cultural. Entre sus libros destacan: “El olvido está lleno de memoria”: la pintura mural de Arnold Belkin (2018), De la Conquista a la Revolución en los muros del Museo Nacional de Historia (2018),  Eclipse de siete lunas: muralismo femenino en México (2017), Las cuatro estaciones del muralismo de Raúl Anguiano (2014), Codo a codo: parejas de artistas en México (2013), Para participar en lo justo: recuperando la obra de Fanny Rabel (2013 y 2017), y Memoria y futuro: diseño industrial mexicano e internacional (2006 y 2018), así como numerosos artículos y capítulos especializados publicados en libros, catálogos y prestigiosas revistas nacionales e internacionales.

32º31’51”N Fronteras, recorridos y desplazamientos

Dra. Coral Revueltas Valle

Facultad de Artes de la Universalidad Autónoma de Chihuahua

Resumen de ponencia:

La ponencia relata mi proceder creativo a partir del pensamiento gráfico, el mapa y los medios impresos. Así 32º31’51”N Fronteras, recorridos y desplazamientos es la suma de la experiencia geográfica del desplazamiento sobre recorridos específicos y su representación, a manera de “ingeniería de reversa” el múltiple impreso como principio de estructura para la construcción de un original. 32º31’51” N Fronteras, recorridos y desplazamientos está estructurado a partir de varias etapas: acopio de materiales de diferente naturaleza, selección y, finalmente, la creación de imágenes gráficas. Los acopios de materiales generaron distintos tipos de archivo: fotografías como resultado de las derivas realizadas en Tijuana; capturas de internet siguiendo la ruta de la frontera hacia el rio Bravo, y recortes de periódico, así como el acopio de mapas y cartografías de la antigua California y mapas impresos comerciales de la República mexicana: con división política y sin nombres. Le siguió la selección del material y las posibilidades de ensamble, primero el de las fotografías y después el acoplamiento en la bitácora de trabajo a manera de bocetos: mapas, recortes, fotografías, pedazos de impresiones, etc., para después elaborar la deconstrucción y manipulación de los mapas. De la antigua California se extrajo la proyección geométrica de la estructura cartográfica plana, cónica o cilíndrica de meridianos y paralelos del territorio representado entre la frontera de México y los Estados Unidos. De los mapas impresos comerciales de la República Mexicana la manipulación.

Semblanza

Coral Revueltas Valle es Doctora en Imagen, Arte, Cultura y Sociedad por la UAEM, realizó la Maestría en Artes Visuales en la “Academia de San Carlos” FAD UNAM y la Licenciatura en Grabado en la ENPEG INBA “La Esmeralda”. Actualmente es becaria del Sistema Nacional de Creadores de Arte del FONCA.

De sus últimas exposiciones individuales destacan: Territorio y representación, en el Museo Nacional de la Estampa INBA 2016, Cartografías, Campo expandido de la gráfica, en el Museo de Arte de la SHCP, 2015, Gráfica, geográfica en el Museo José Guadalupe Posada ICA, INBA, en Aguascalientes, 2011.

Durante el 2015 recibe premio en Técnicas Alternativas en FINI 2015, y Mención Honorifica en la 1a Bienal de los Volcanes. En el 2008 recibe Mención Honorífica, en la XIII Bienal Diego Rivera, INBA, Guanajuato, y en el 2006 la Mención Honorífica en el Examen de Grado de la Maestría en Artes Visuales.

Algunas de las exposiciones colectivas en las que ha participado; SYNTAX Univer (City) of art, Galería Spiż 7, Wyspa Spichrzów, Gdańsk, Polonia, 2014; Trazo Urbano, Gráfica Contemporánea desde México, Museo de la Ciudad de México, A Tiro de Fuego, 2 Encuentro Nacional de talleres de Gráfica Contemporánea, Museo Nacional de la Estampa, 2013

Recientemente fue seleccionada en: la X Bienal Nacional de Pintura y Grabado Alfredo Zalce, MACAZ 2016, la 1a Bienal Universitaria de Arte y Diseño, UNAM, 2014, la XI y X Bienal Monterrey FEMSA, 2014 y 2012 respectivamente; y en la II.European Lithography Days, Maps & Flags, Alemania, 2012.

 

La dicotomía de lo particular en lo múltiple

Pilar Bordes

Taller Gráfica Bordes

 

Cuatro mujeres grabadoras mexicanas contemporáneas

Patricia Soriano

FAD-UNAM

Resumen de ponencia:

La obra de estas cuatro mujeres artistas ha sido merecedora de reconocimientos en premios y becas, dentro y fuera del territorio nacional. Han desempeñado una búsqueda incesante e incursionando en desarrollos temáticos y técnicos de gran relevancia para la gráfica contemporánea. Pilar Bordes (Guadalajara, Jalisco, 1948) grabadora y editora en artes gráficas. En 1996 funda la Editorial Gráfica Bordes, donde publica la obra de artistas mexicanos. Ha sido miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte, FONCA. Nunik Sauret (Ciudad de México, 1951) Su obra forma parte de colecciones institucionales y de encuentra en más de 150 carpetas de grabado y litografía, así como en al menos 26 museos, universidades e instituciones de México y el mundo. Ha formado parte del Sistema Nacional de Creadores de Arte, FONCA. Coral Revueltas realizó sus estudios de licenciatura en “La Esmeralda” y de Maestría en la Academia de San Carlos, UNAM. Ha participado en diversas exposiciones colectivas e individuales dentro y fuera de nuestro país. Participó en ARCO 2005 y obtuvo el premio a la Joven estampa en la Habana Cuba (1993). Su investigación actual gira en torno a las cartografías y el mapa. Amanda Woolrich (Ciudad de México, 1990) realizó sus estudios de licenciatura en la ENAP y actualmente de Maestría en la FAD, UNAM. Su producción se distingue por incursionar en el ámbito del “Grabado animado”, recreando paisajes que oscilan entre visiones contemplativas de urbes clásicas y contemporáneas. Ha sido merecedora de reconocimientos y distinciones.

Semblanza:

Es Licenciada en Artes Visuales por la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM. Es profesora en la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM en donde ha ejercido la docencia por más de 27 años. Fue docente por 20 años en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado, “La Esmeralda”. Soriano cuenta con más de 25 exposiciones individuales y cerca de 90 exposiciones colectivas en México y el extranjero. Entre sus exposiciones Individuales destacan: Visión de Abismo (2016) Museo de Arte Contemporáneo Número 8. Instinto y presagio (2011) Academia de San Carlos; 2 hiki (2007), Shomeido Gallery, Tokio, Japón y; Diferencias reunidas (1998) Museo del Palacio de Bellas Artes. Entre sus exposiciones colectivas podemos mencionar: Los Espías del cosmos (2014), Museo de Arte Moderno, Mnemografías (2012), Museo Nacional de la Estampa; ¿Buscar lo Real? (2012) Museo Nacional de San Carlos, Pecados y Milagros, Palacio de Bellas Artes (Bozar) (2013), Bruselas, Bélgica, USC Fisher Museum of Art (2013), California, Estados Unidos y Museo Nacional de Arte (2011), México. Ha sido merecedora a diversos premios, destacan: El Primer Lugar en la X Bienal Nacional Diego Rivera (2002) México. La “Medalla Goya” en la X Bienal Iberoamericana de Arte (1996). Ha sido Miembro del Sistema Nacional de Creadores, FONCA (2002, 2007 y 2011). Ha fungido como Presidente de jurado y Miembro de Jurado en certámenes de diversas instituciones culturales y ha impartido talleres y diplomados en México y algunos países de Sudamérica.

 

MUSEO NACIONAL DE LA ESTAMPA

17:30-20:15 h    Panel I: Producción artística contemporánea
Eje gráfico contemporáneo: una estrategia independiente en la producción, gestión y difusión de la proyección, expansión y desplazamiento de la gráfica en México

Mtro. Alejandro Villalbazo y Mtra. Carmen Razo

Eje Gráfico Contemporáneo

Resumen de ponencia:

Descripción general de las estrategias de gestión, producción y difusión del Arte impreso, a partir de la estructuración de una iniciativa independiente surgida en 2003. Eje Gráfico Contemporáneotiene como objetivo generar estrategias originales en el fomento de la producción y difusión (en México y el extranjero con diversas instituciones, grupos, colectivos, artistas, académicos, investigadores, curadores y talleres), con una propuesta analítica y reflexiva de la situación de gráfica contemporánea, su expansión conceptual y posibilidades formales, técnicas y materiales.

La ponencia se divide en dos partes: “Estrategias de gestión y experiencias colaborativas en proyectos de difusión de Arte impreso”, y “Proyección, expansión y desplazamiento de los sistemas de producción de la gráfica”; a partir de los proyectos realizados durante 15 años (2003-2018): Sensacional de Estampa 2003, 2004, 2006, y 2011; ÍNDICE ALTERNATIVO: Libros de Artistas, diferentes versiones, del 2006 al 2017; Feria Internacional del Libro de Artista Cinco Sedes, El original y su doble (México, España, Colombia, Argentina y E.U.A.), 2014; Trazo Urbano. Gráfica Contemporánea desde México en CDMX, 2014; Hidalgo 2015.; Trazo Valencia, España, 2015. Trazo Nómada, Guadalajara Y CDMX, 2015; Primeras y segundas Jornadas de producción, difusión y comercialización de Libros de Artista, Jaén, España, 2013 y 2014; Encuentro Internacional de Gráfica y Edición de Arte: Tendencias y procesos en el Arte Impreso Contemporáneo, 2015; 2º Encuentro Internacional de Gráfica y Edición de Arte: Concepto y forma del Pensamiento Gráfico, 2017, ambos en colaboración con el Centro de Formación y Producción de Artes Visuales La Arrocera.

Contenido de semblanza:

Mtro. Alejandro Villalbazo nace en la ciudad de México en 1970. Realiza licenciatura (mención honorífica) y maestría en Artes Visuales en la ENAP-UNAM, con orientación en pintura y gráfica respectivamente, ha asistido a numerosos cursos de especialización en el área de pintura, gráfica, teoría y pedagogía del Arte. A la fecha cuenta con más de 160 exposiciones, entre colectivas e individuales en México, Colombia, EEUU, Cuba, Puerto Rico, Argentina, Costa Rica, Italia, España, Japón y Alemania. Ha sido becario de diferentes instituciones en las que se destacan: FONCA, la UNAM y del programa de Estímulo a la Creación, del FOCAEM – PECDA. Ha colaborado en diversas instituciones públicas y privadas a nivel superior, como docente, director de tesis, jurado, tutor, curador y museógrafo. Actualmente se desarrolla como productor e Investigador (doctorando en Artes y diseño por la UNAM), coordina el Taller de Producción e Investigación Gráfica La Pintadera, fundado en el 2003, colabora como gestor de proyectos en el Centro de Experimentación Gráfica El Chahuixtle y Eje Gráfico Contemporáneo, y como asesor académico del Centro de Formación y Producción de Artes Visuales La Arrocera, en la ciudad de Campeche. Su obra ha recibido premios y reconocimientos, forma parte de diversas colecciones en Museos de México y el extranjero. Su producción plástica se desarrolla fundamentalmente en la investigación de procesos experimentales en el arte impreso, libro de artista, video, instalación, archivo y arte sonoro. En el 2010 ingresa al Sistema Nacional de Creadores de Arte del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

Mtra. Carmen RazoNace en la Ciudad de México en 1971. Es Mtra. en Artes Visuales en con orientación en Gráfica por la UNAM-FAD, 2006. Realizó estudios en dos licenciaturas, Comunicación Gráfica, 1994 y Artes Visuales, 1998, por la Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP-UNAM). Ha asistido a numerosos cursos de especialización en gráfica, teoría del arte, gestión y pedagogía. Actualmente se desarrolla como productor e investigador plástico y visual. Es una artista multidisciplinar y experimental independiente. Su obra aborda simultáneamente las temáticas de la Ciudad y la Teoría de la Complejidad; el argumento y semántica de su propuesta estética y plástica nace desde estos conceptos y su interés por las transformas matéricas y transustanciales de éstas. De forma individual ha expuesto su trabajo en más de 20 ocasiones, tanto en México, como en España. De manera colectiva ha expuesto su trabajo en más de 30 ocasiones, la mayoría de carácter internacional como en España, U.S.A., Colombia, Argentina, Francia, Canadá y Bélgica, así como en varios estados de la República Mexicana. Se ha desarrollado como diseñadora gráfica en diversos despachos de diseño gráfico. Ha colaborado como docente en instituciones públicas y privadas, a nivel medio superior y superior en las licenciaturas de Diseño Gráfico y Artes Visuales. Ha colaborado en varias publicaciones culturales de México. Su obra ya pertenece a colecciones públicas y privadas. Es cofundadora de Eje Gráfico Contemporáneo, organismo independiente de fomento a la gráfica contemporánea.

Muestra representativa de la Producción de Gráfica en la Red de FAROS
(La Gráfica y la Estampa como puntos de confluencia y creación de comunidad, resultados del Primer Encuentro de Estampa y Gráfica en la RED de FAROS).

Eduardo Barrera y Rodrigo González

Miembros del comité del Encuentro de Gráfica y Estampa en la RED de FAROS 

Resumen de ponencia:

El Primer Encuentro de Estampa y Gráfica en la Red de FAROS presentó a la comunidad en las Fábricas de Artes y Oficios la oportunidad de participar en una convocatoria abierta, cuyo objetivo culminaría en una muestra colectiva en el FARO Tláhuac, la cual también se ha presentado, dando continuidad al proyecto, en las instalaciones de FARO Indios Verdes y FARO Milpa Alta, sedé Miacatlán. Para la conclusión del proyecto confluyeron los esfuerzos de productores de materiales de grabado, distribuidores de materiales de arte, artistas invitados, jurados, talleres especializados en la ciudad de México y colectivos, así también como cada uno de los coordinadores en cada una de las fábricas de artes y oficios, sus talleristas y comunidad asistente. Este encuentro es un proyecto de promoción y difusión que busca visibilizar la producción gráfica desarrollada desde la Red de FAROS. Buscamos generar diferentes dispositivos que vinculen y visibilicen la obra realizada en los talleres de gráfica y estampa en cada una de las fábricas situadas en la periferia de la ciudad, caracterizados por el desarrollo cultural a través de la educación no formal. La selección reunió 25 obras entre artistas invitados y participantes. De los resultados finales se otorgaron tres estímulos en especie y tres estancias de trabajo en coedición, mismas que actualmente se están llevando a cabo, una en FARO Tláhuac, otra en Espacio Limón y la última en La Curtiduría espacio de arte, en el estado de Oaxaca. La intención de la ponencia es la de compartir el proceso, su desarrollo y resultados con la comunidad especializada, siguiendo con nuestro compromiso de visibilizar la producción gráfica producida en la Red de FAROS.

Semblanza:

 Eduardo Barrera

(Ciudad de México, 1992). Artista visual y docente; estudió la Licenciatura en Artes Visuales en la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM (2010-2014) alumno de José Miguel González Casanova (La Colmena, 2013-2015) y Francisco Castro Leñero (TACO, 2018). Cuenta con algunas muestras individuales nacionales y diversas muestras colectivas. Becario del programa Jóvenes Creadores del FONCA (2017-2018) en la disciplina de Dibujo; Actualmente forma parte de Red de Tintas, colectivo organizador del Encuentro de Gráfica y Estampa en la Red de FAROS, Ciudad de México. Como docente ha impartido diferentes cursos, conferencias y talleres en espacios como el Conservatorio Nacional de Música, el Museo Nacional de Arte (MUNAL), el Centro Cultural Mexiquense Bicentenario (Texcoco, Edo.Mex.) y la FARO de Tláhuac.

Rodrigo González (Ciudad de México, 1991). Artista Visual, Gestor Cultural y Tallerista. Egresado en la Licenciatura de Artes Visuales de la FAD UNAM (2009-2013). Ha sido tallerista en proyectos como “La Navezota Creativa” por parte de la Secretaría de Cultura, y el programa “Alas y Raíces” (2015-2017), ha participado en las ediciones XV , XVI y XVII de la Feria Internacional del Libro en el Zócalo como Tallerista en “Estampa” en apoyo de la Secretaría de Cultura de CDMX. Así como Tallerista en la Comunidad Especializada para Adolescentes Dr. Alfonso Quiroz Cuarón, dentro del Evento FARO Tutelar. Actualmente es responsable del Taller de “Principio Litográfico” en FARO Tláhuac (2014- 2018), es el Coordinador de Espacio Limón (2016-2018), es miembro del Consejo Consultivo FARO Tláhuac y forma parte de Red de Tintas, colectivo organizador delEncuentro de Gráfica y Estampa (CDMX).

¿Es posible dialogar con la cultura interfaz desde los procesos de la estampa?

Mtra. Isabel Gaspar Robles

UNAM

Resumen de ponencia:

Si la vida, las dinámicas, las posturas y todo a nuestro alrededor cambia, es natural que el arte junto con la vida cambie y así también la dinámica de construcción, reproducción y culto de las imágenes. La interfaz es hoy un dispositivo activador de nuestra vida diaria, un creador de realidades que compartimos. Llenamos nuestros días de collages infinitos de contextos semánticos con nuevos vocabularios percibidos a través de la mirada. Para la investigación presentada en esta ponencia he analizado el mundo de la imagen que se ha creado en esta nueva sociedad, y en el mundo de la imagen desde la estampa y la gráfica tradicional, ¿cómo es que ésta ha logrado edificar lo que hoy vemos como el traductor de los códigos que generan las imágenes, es decir la interfaz gráfica? Y ¿cómo es que estos códigos e interfaces son la convergencia hoy en día de la gráfica tradicional? Así que esta investigación considera a la estampa y la imagen junto con su construcción desde sus inicios, cómo ha ido evolucionando y tomando partes de la cultura digital no solamente estética y técnicamente, sino cultural, política y socialmente, partiendo de las complejidades de nuestra mirada, tomando en cuenta los espacios entonces físicos y ahora virtuales y generando un intercambio entre lo tangible y lo digital. Los estudios visuales pueden generar una modificación en el pensamiento y la mirada, dando forma al mundo de manera general, no sólo desde el ámbito artístico y cultural sino también desde el político.

Contenido de semblanza:

Isabel Gaspar (México, 1991) estudió artes visuales en su ciudad de origen y posteriormente la maestría en artes visuales con especialidad en gráfica en la UNAM. Durante ésta realizó una residencia de investigación en el MIDECIANT en Cuenca, España, donde pudo reafirmar y refinar su planteamiento conceptual y de producción, el cual está enfocado en la gráfica y cómo ésta converge con los nuevos medios a través de las pantallas y los datos. Ha participado en distintas residencias de gráfica en el país en la Ciudad de México, Veracruz, Oaxaca y Puebla, así como en diversos coloquios y congresos. Ha sido seleccionada en el encuentro Estatal de Arte Contemporáneo en Puebla en 2007, en la VII Bienal de Artes Visuales en Yucatán en 2015 y en la Bienal Puebla de los Ángeles en 2017. Ha realizado exposiciones individuales y colectivas nacionales e internacionales. Es con su nueva producción enfocada a los datos y coordenadas que gana el primer lugar en el Festival Internacional de la Imagen, FINI, en medios alternativos. Actualmente desarrolla un proyecto de investigación y producción con el apoyo de innovación artística y estímulo a la creación del Instituto Municipal de Arte y Cultura de Puebla. Su línea de investigación más reciente se centra en los estudios de la imagen desde las nuevas estéticas y la imagen pobre, transitando entre los límites de la pantalla y la realidad. Para ella las nuevas estéticas deben ser vistas como una herramienta para el posicionamiento político.

Voces de Mujeres

Mtra. Marisol Rojas Oliveros

Egresada UNAM-IBERO

Resumen de ponencia:

La presente ponencia aborda el proceso creativo, de producción e investigación teórica de la serie Voces de mujeres, realizada en 2017 y 2018. El trabajo artístico surge a partir de la reflexión ¿Qué provoca que nos manifestemos? Una serie de fuerzas psíquicas, corporales y sociales. Con ellas transformamos lo inmóvil en movimiento, el abatimiento en energía y la sumisión en rebeldía. Las manifestaciones no llegan nunca sin pensamientos, que a menudo se convierten en frases, la gente reflexiona, se expresa, discute, garabatea un mensaje, fabrica un cartel y distribuye un panfleto. A partir de la observación de dichas acciones surgieron las imágenes que conforman esta serie, proponiendo una reflexión a partir de lo que demandan las mujeres en la actualidad.

Semblanza

Es artista visual y maestrante en Estudios de Arte en la Universidad Iberoamericana Ciudad de México desarrollando el tema de la estampa contemporánea y su inserción en el espacio público. En 2005 cursó la Licenciatura en Artes Visuales en la Facultad de Artes y Diseño de la Universidad Nacional Autónoma México, enfocando su aprendizaje en las disciplinas de estampa y pintura. Adicionalmente realizó residencias de intercambio académico y artístico en City University of New York (CUNY), EU, en 2017; en la Facultad de Artes y Letras de La Habana, Cuba en 2016; en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia, España de 2008 a 2009;  y en  The Art Students League of New York, EU en 2013. De su trayectoria artística se destaca la selección en la 6° Tokio International Mini Print  Triennial en 2018, el primer premio de la 1° Bienal de la Pequeña Estampa de América Latina y el Caribe en 2017,  la selección  en el Concurso Nacional de Grabado José Guadalupe Posada edición 2010, en la 7° Bienal Nacional Alfredo Zalce en 2009, y en el Mail-Art Project del Florean Museum en Romania en 2006. Su trabajo ha sido expuesto en museos y espacios públicos de varias ciudades de México y Ecuador. Actualmente continúa investigando nuevas técnicas y procesos de impresión en la producción gráfica, además de formar parte del Seminario de Estampa de la Universidad Iberoamericana.

Deconstruir, idear y conservar

Mtro. Ricardo Morales López

ENPEG “La Esmeralda” /ENCRyM “Manuel del Castillo Negrete”

Resumen de la ponencia:

Si bien la Escuela Nacional de Conservación, Restauración y Museografía no forma artistas visuales, “Configuraciones gráficas”, materia de octavo semestre impartida por mí desde hace veinticinco años, focaliza la materialidad y la valoración de obra gráfica manuscrita o impresa sobre papel y metal, de los siglos XVII al XX. Así, en dicho espacio curricular las alumnas experimentan el quehacer gráfico a través de diseñar, grabar e imprimir grabados y estampas con procesos tecnológicos tóxicos y no tóxicos. “Deconstruir, idear y conservar” es el recuento de estudios de caso con la gráfica de –literalmente– varios siglos y la narración de cómo he procurado detonar la intersubjetividad de las alumnas y potenciar su observación hacia la gráfica, especialmente en las piezas asignadas. O mejor la sintetizo como un asomo sumario de encuentros, desencuentros, experiencias y vacilaciones en mi labor docente en tal materia.

Semblanza:

Artista visual con estudios de Licenciatura en Artes Visuales y Maestría en Artes Visuales, orientación pintura (ENAP–DEP –actual FAD–, UNAM). Ha participado en siete exposiciones individuales, dos open studio y sido seleccionado en más de cuarenta exhibiciones nacionales e internacionales. Su trayectoria profesional ha sido reconocida con residencias artísticas en el extranjero –un par de veces por el FONCA–, menciones honoríficas, obras gráficas en acervos de museos internacionales o nacionales y considerado artista invitado. Integra a su práctica artística profesional gráfica y pictórica, la docencia, el asesoramiento para identificar técnicas de impresión y la investigación documental; los hallazgos de esta última los ha divulgado en documentales, publicaciones, Foros Académicos o Congresos nacionales e internacionales. Es docente en la ENPEG desde el jueves 16 de febrero de 1989; en la ENCRyM, a partir de febrero de 1993.

 

Reflexiones sobre América / Fronteras y líneas imaginarias

Mtra. Susana del Rosario Castañeda

IBERO

Resumen de ponencia:

Este trabajo aborda el proceso de investigación y producción que llevé a cabo durante el 2018, para la realización de dos series tituladas “Reflexiones sobre América” y “Fronteras y líneas imaginarias”. La primera de ellas, que consta de siete serigrafías, surge como un ensayo visual donde tomo el mapa del continente americano y lo fragmento, lo giro, lo adapto y lo acerco para abrir preguntas sobre la construcción un sur y de un norte y el concepto de Latinoamérica. “Fronteras y líneas imaginarias”, explora como América continente se ha construido y deconstruido mediante la demarcación de fronteras visibles, como los ríos y las cordilleras, e imaginarias, como el señalamiento de países en una división política.

Semblanza:

Susana del Rosario (Veracruz, 1990) Es licenciada en Artes Visuales por la Universidad Autónoma de Querétaro y maestra en Estudios de Arte por la Universidad Iberoamericana Ciudad de México. Su obra ha sido expuesta en México, Estados Unidos y Colombia. En 2016 formó parte del Women’s Art Institute en St. Paul, Minnesota, donde realizó una residencia de producción. Ha realizado estancias y talleres de producción en La Ceiba Gráfica en Coatepec y el Taller Nacional de Gráfica en Aguascalientes. Recientemente, su obra explora temas sobre el territorio.

 20:15: Clausura